Reportajes de cine

Todavía no existe un audioguía universal capaz de describir a quienes no pueden contemplar sus imágenes las acciones de todas las películas, sin importar lo remoto, primitivo o estrafalario del film en cuestión. Curiosamente, los personajes ciegos han sido tan recurridos desde el protocine que lo difícil es no encontrar un subgénero, por minoritario que sea, con uno de ellos en el reparto, en un centro protagónico o esquinado a la mera anécdota. Existe, pues, una integración absoluta, a menudo tópica, de la comunidad ciega en el medio cinematográfico, aunque el cine no se amolde con todas las facilidades a los requerimientos de un espectador que sólo puede acercarse a él mediante el sonido. Ahora le toca el turno al blockbuster de qualité con “A ciegas” (2008), título que combina el prestigio del escritor José Saramago con el talento supuestamente alternativo de Fernando Meirelles para narrar la historia de una ceguera blanca y masiva que poco tiene que ver con las puntuales cegueras negras de la Historia del Cine.

Cuando el cine era mudo, cerró los ojos: Entre escena y escena, marcando el tempo de los monólogos y las discusiones, los rótulos explicativos abrían tajos de oscuridad en las imágenes silentes, un resquicio literario que volvía aún más violento el parpadeo de aquellos primeros rollos de celuloide. Inhabilitado para el habla, como un monstruo que no debía parecerse demasiado a la realidad y al hombre, el cine mudo no tuvo problema en incorporar más dificultades, como héroes y heroínas afectados de ceguera. Pero con el nuevo arquetipo la industria no pretendía rendir homenaje ni demostrar una conciencia comprometida hacia las personas ciegas, sino facilitar sus propias tareas. Así, Griffith consiguió enternecer al personal más rápidamente gracias a las adorable cieguita de “Las dos huérfanas” (1921) y al violinista ciego —como se verá, uno de los arquetipos favoritos del cine— de “The light that came” (1909), corto que introdujo el incombustible tema del romance a ciegas, aparte de la fantástica “El hombre que ríe” (Paul Leni, 1928) en su apartado gótico, y la quimera de una curación que ‘normalice’ al incapacitado.   Leer más »

«¿Qué tiene de gracioso? ¿Qué es lo que tiene tanta puñetera gracia?»

Nombre completo: Edward Morgan Blake

Alias: El Comediante

Álter ego: Jeffrey Dean Morgan. Los fans de “Anatomía de Grey” lo recordarán para siempre como Denny Duquet, el imposible enamorado de Izzie (Katherine Heigl). Habitual en la pequeña pantalla —con apariciones breves en las series “Weeds”, “O.C”, “CSI”, “Ángel” o “Urgencias”—, sus incursiones en el cine han sido menos numerosas y destacadas —”Posdata: Te quiero” (Richard LaGravenese, 2007), “Marido por sorpresa” (Griffin Dunne, 2008)— hasta que se convirtió en el fichaje de Zack Snyder. Otros actores que pujaron por El Comediante han sido Ron Perlman, Gary Busey y Nathan Fillion.

Retrato robot: Coraza, pantalones, botas y antifaz o máscara de lucha libre azul oscuro. Rodilleras, cinto y tirantes del mismo color. En los brazos al descubierto sólo luce unos guantes cortos de la misma tonalidad y unas hombreras con los motivos de la bandera estadounidense: la estrella blanca sobre fondo azul y las barras rojas, antes típicas del traje del Minutemen Dólar Bill (Dan Payne). Es común verlo acompañado de un puro habano inextinguible. Como miembro de los Minutemen, vestía un mono amarillo con antifaz, cuello, guantes y botas moradas, complementado con botones rojos y una pequeña máscara sonriente en el cinturón. Abandonó esta indumentaria por su escasa protección después de recibir graves puñaladas durante una pelea en 1941. Leer más »

No es descabellado pensar en los zombis como un subgénero propio. El terror tiene muchas vertientes, y la de los muertos vivientes ha sido fructífera pese a ser de más corta edad que las de figuras como los vampiros. La razón la encontramos en una titubeante fuente, que nos remite a los inicios de los años 30, y a las leyendas relacionadas con los ritos de magia negra y vudú haitianos. Fruto de la superstición y el folclore, los zombis tardaron muy poco en encontrar su respuesta en un séptimo arte que les iba a definir a ojos del mundo con sus propias reglas. Por supuesto que no faltarían las reinvenciones de las mismas, las variantes que hacen posible una película como “Quarantine”, la cual llega para revisar un modelo bien diferente al original, adaptado a las necesidades del frenetismo del audiovisual moderno.

Empezando por el principio, suele señalarse “La legión de los hombres sin alma” (1932) como el título que dio pistoletazo de salida al cine de zombis. De ser así, este cine nacía casi en paralelo a los primeros reportes del fenómeno en Haití y lo hacía proponiendo una primera regla que se perdería con el tiempo: el villano es el que dirige el ejército de zombis con aviesas intenciones. Y que ese villano, además, fuera Bela Lugosi, es un lujo para inaugurar un subgénero de terror que se iría consolidando con cuentagotas. Por ejemplo, Michael Curtiz pondría al gran rival de Lugosi en la pantalla, Boris Karloff, al frente de  “Los muertos andan” (1936), mientras que Steve Sekely pondría de manifiesto una maravillosa analogía en “Revenge of the zombies” (1943) al hacer de los no muertos el ejército sin voluntad propia comandado por un doctor nazi. Otro ejemplo más notable sería la célebre “Yo anduve con un zombie”, que Jacques Tourneur dirigió en 1943 tras haber firmado el año anterior la magnífica “La mujer pantera”. En ella, Tourneur revisaba el mito volviendo a su enclave original, asentando su trama en una caribeña isla y recurriendo al vudú como el desencadenante de la maldición. Leer más »

Aunque la afirmación de que el cine es el arte más completo por contener todos los demás artes es harto arriesgada, parece menos discutible que, a través del cine, se han logrado increíbles simbiosis con diversas disciplinas. Si el cómic es el noveno arte, el séptimo le ha hecho flacos y benditos favores, pero sin duda ha conseguido acercarse a él en su reproducción de estéticas imposibles e historias irrealizables.

La adaptación del cómic a la pantalla no es nueva, pero disfruta de una cosecha particularmente prolífica en los últimos años. Ya no se trata sólo de revisiones de los estandartes de la DC Comics, Superman y Batman, pues mucho ha llovido desde aquellos años en los que el cómic era relegado a un entretenimiento menor y poco a tener en cuenta como fuente de inspiración. Los 80 fue una década clave para un asentamiento de prestigio que llegó con nombres como Alan Moore o Frank Miller. Ambos contribuyeron a hacer de 1986 una de las fechas más importantes para la novela gráfica, con dos referentes que, algo más de dos décadas después, iban a cambiar el cine de superhéroes: en aquel año confluirían “Watchmen” (obra del primero, junto con Dave Gibbons) y “The Dark Knight returns” (obra del segundo, traducido al español como “El regreso del Señor de la Noche” o “El regreso del Caballero Oscuro”). Ambos formaron parte del llamado ‘espíritu del 86′ y ambos han dado con monumentales equivalentes en la pantalla a manos de Zack Snyder y Christopher Nolan. Así que tras comprobar cómo “El Caballero Oscuro” se ha convertido en uno de los filmes de superhéroes más importantes del celuloide, y a la expectativa de la cinta que adaptará la revolucionaria novela gráfica de Moore y Gibbons, parece que estamos en un momento decisivo para encumbrar o tirar por tierra algunas de las obras capitales del noveno arte. Leer más »