Reportajes de cine

Matthew Perry vive en “17 otra vez” (Burr Steers, 2009) la más acertada —y al mismo tiempo cruel— de las ironías: convertido en un gris y mediocre pelagatos que nada tiene que ver con su exitoso pasado en el instituto, su personaje representa la antigua gloria y el presente acomodaticio del actor. De superestrella en “Friends” a intérprete hambriento de buenas ofertas en unos pocos años, ésa es la misma trayectoria que aguarda a rostros hoy protagonistas de las cajas de cereales, mañana de algún triste epitafio artístico. El encargado de representar al Perry adolescente, Zac Efron, no parece temer un futuro parecido y se congratula de compaginar la más anodina de las rutinas caseras con el griterío hormonal que provoca sobre la alfombra roja. Pero, ¿cuántos aguantan hasta convertirse en Meryl Streeps masculinos? El rastro de bellos cadáveres viene de lejos…

1950: Nace un género y, con él, una nueva manera de morir para las estrellas: la teen movie o película para adolescentes, ideada por astutos mandamases de la industria que al ser testigos de un cambio radical en la cultura popular quisieron ir más allá y convertirse asimismo en artífices del fenómeno. Los Andy Hardy y Betsy Booth del mundo acababan de perder su hueco, recatados y pizpiretos, ante la oleada de demandas de cintas con mayor enjundia… visual. Los jóvenes reclaman juerga, bronca, rock ‘n’ roll, baile, amor irracional, sexo —en la medida censora de lo posible— e ídolos que sirviesen para pegar pósters en las paredes y no para despertar las simpatías de las abuelitas. A partir de este caldo empieza a comercializarse carne de primera calidad para caloríficos cocidos: James Dean (“Rebelde sin causa”), Marlon Brando (“¡Salvaje!”) y Elvis Presley (“El rock de la cárcel”), primeros responsables en abarrotar de muchachas con cuerdas vocales destrozadas las consultas de los otorrinos. Leer más »

Clive Owen se embolsa la audiencia acumulada de “Duplicity” (Tony Gilroy, 2009) mientras su compañera en “The international: Dinero en la sombra” (Tom Tykwer, 2008) atrae a más de un despistado en las enrevesadas tramas de conspiraciones que vienen maquinándose desde hace años en los sótanos y los despachos más luminosos de grandes bancos. Naomi Watts ha conseguido en una década lo que estuvo peleándose durante otro par de lustros bien largos: el inestimable honor de escoger los papeles que más le interesan sin perder la categoría de actriz bienamada por público y crítica. Al igual que dos de los personajes cumbre de su carrera, una intérprete venida de lejos, en términos geográficos y vitales, que ha encontrado un hueco en Hollywood para sus inquebrantables valores y su dorada madurez.

«Sería como en las películas. Fingir ser otra persona.» (Betty en “Mulholland drive”) Inglesa de nacimiento y adolescencia en Australia, país donde apenas destacan sus dotes para la actuación. Otra rubia pálida, bajita y huesuda que no rompe el prototipo de las escenas australes, a pesar de que en ellas coincide con emergentes estrellas como Nicole Kidman —en “La primera experiencia” (John Duigan, 1991), aunque ya se habían conocido en una audición para un spot de bikinis—, Russell Crowe —en la mini serie “Brides of Christ” (Ken Cameron, 1991)— o Hugo Weaving —en “For love alone” (Stephen Wallace, 1986)—. Después de la adaptación de un cómic de culto, “Tank girl” (Rachel Talalay, 1995), pequeños papeles televisivos, anuncios publicitarios y dramones abocados al olvido, Naomi imita a su amiga Nicole y se traslada a Los Ángeles con la esperanza de rozar esa “Fama” con la que había soñado desde un pase de la película de Alan Parker. Leer más »

Todavía no existe un audioguía universal capaz de describir a quienes no pueden contemplar sus imágenes las acciones de todas las películas, sin importar lo remoto, primitivo o estrafalario del film en cuestión. Curiosamente, los personajes ciegos han sido tan recurridos desde el protocine que lo difícil es no encontrar un subgénero, por minoritario que sea, con uno de ellos en el reparto, en un centro protagónico o esquinado a la mera anécdota. Existe, pues, una integración absoluta, a menudo tópica, de la comunidad ciega en el medio cinematográfico, aunque el cine no se amolde con todas las facilidades a los requerimientos de un espectador que sólo puede acercarse a él mediante el sonido. Ahora le toca el turno al blockbuster de qualité con “A ciegas” (2008), título que combina el prestigio del escritor José Saramago con el talento supuestamente alternativo de Fernando Meirelles para narrar la historia de una ceguera blanca y masiva que poco tiene que ver con las puntuales cegueras negras de la Historia del Cine.

Cuando el cine era mudo, cerró los ojos: Entre escena y escena, marcando el tempo de los monólogos y las discusiones, los rótulos explicativos abrían tajos de oscuridad en las imágenes silentes, un resquicio literario que volvía aún más violento el parpadeo de aquellos primeros rollos de celuloide. Inhabilitado para el habla, como un monstruo que no debía parecerse demasiado a la realidad y al hombre, el cine mudo no tuvo problema en incorporar más dificultades, como héroes y heroínas afectados de ceguera. Pero con el nuevo arquetipo la industria no pretendía rendir homenaje ni demostrar una conciencia comprometida hacia las personas ciegas, sino facilitar sus propias tareas. Así, Griffith consiguió enternecer al personal más rápidamente gracias a las adorable cieguita de “Las dos huérfanas” (1921) y al violinista ciego —como se verá, uno de los arquetipos favoritos del cine— de “The light that came” (1909), corto que introdujo el incombustible tema del romance a ciegas, aparte de la fantástica “El hombre que ríe” (Paul Leni, 1928) en su apartado gótico, y la quimera de una curación que ‘normalice’ al incapacitado.   Leer más »

«Contemplad mis obras, vosotros, los poderosos»

Nombre completo: Adrian Veidt

Alias: Ozymandias, nombre griego del faraón egipcio Ramsés II, tomado asimismo de los poemas de Percy Shelley y Horace Smith de 1818.

Álter ego: Matthew Goode. El actor más inglés de todos tuvo su debut cinematográfico en España, con “Al sur de Granada” (Fernando Colomo, 2003), donde interpretaba a un extranjero que descubría las delicias de las Alpujarras. Tras aquella experiencia no ha vuelto a pisar nuestro país, aunque se ha recorrido Europa con “Match Point” (Woody Allen, 2005) y “Copying Beethoven” (Agnieszka Holland, 2006), y la comedia estadounidense en “Deseando libertad” (Andy Cadiff, 2004) y “Rosas rojas” (Ol Parker, 2005). Sus últimos estrenos han sido “The lookout” (Scott Frank, 2007) y “Retorno a Brideshead” (Julian Jarrold, 2008), cuyo ambiguo protagonista le habrá servido de valioso precedente para interpretar a Ozymandias en “Watchmen”, a la que seguirá el salto a la dirección del diseñador Tom Ford en “A single man” (2009). Jude Law, uno de los nombres que más sonó para el papel, habría sido un bello y frágil Ozymandias, mientras que Tom Cruise, el eterno candidato en las superproducciones, habría aportado su toque de dominador ególatra. Leer más »

La vigesimonovena edición de los premios Razzie, celebrada el pasado 21 de febrero, no sólo hizo entrega a Uwe Boll de la Frambuesa de Oro® al Peor Director, sino que le adjudicó el dudoso título de ‘La réplica alemana de Ed Wood’ —como si no hubiese cierto elogio implícito en nombrar al director de “Plan 9 from Outer Space” (1959)—, a costa de su carrera prolífica, desmedida y, a juicio del jurado de los Razzie®, ejemplificadora de los cineastas que apuestan por los proyectos más rocambolescos sin que las negativas respuestas de crítica y público los conduzcan de una vez por todas al desánimo. “En el nombre del rey” (2007), una historia medieval de corte épico-fantástico que cuenta con Ron Perlman, John Rhys-Davies, Ray Liotta y Leelee Sobieski, es lo último de Boll en llegar a las pantallas españolas tras las no menos denostadas “House of the dead” (2003), “Alone in the dark” (2005), “Postal” (2007) y “Tunnel Rats” (2008). Pero, cual Espartaco, Uwe Boll no ha sido el único crucificado por el jugo perverso de los Razzie®, zumo de altos índices de acidez y cero azúcar, cada vez con menos sabor refrescante y más a cachondeo oportunista.

La primera ceremonia de los Razzie® se convocó en el salón de la vivienda del fundador John Wilson, y en la misma fecha que la celebración de los Oscar®, el 31 de marzo de 1981, al modo de un hijo bastardo y procaz de la parafernalia hollywoodiense. La primera película en estrenar la tradición fue “Que no pare la música” (Nancy Walker, 1980), el musical sobre los Village People que batió a las no menos terroríficas contendientes “Xanadú” (1980), la mal llevada vejez de Gene Kelly, o “El cantor de jazz” (Richard Fleischer, 1980), con Neil Diamond metido a lacrimógeno protagonista. Éste consiguió el premio al Peor Actor junto con Brooke Shields, Peor Actriz por la traumática para una generación de espectadores “El lago azul” (Randal Kleiser, 1980). En esta primera edición se asentaron las categorías que se mantendrían fijas con el paso de los años: Peor Película, Actor, Actriz, Actor y Actriz secundarios, Director, Guión y Canción Original. Leer más »