Reportajes de cine

Ben Stiller vuelve a desenfundar la linterna, esta vez como celador nocturno del complejo museístico más grande del mundo: el Instituto Smithsoniano de Washington D.C., una institución fundada en el siglo XIX que presume de un ingente catálogo histórico abierto a la curiosidad de cualquier ciudadano norteamericano, primera enmienda en ristre. De Nueva York a la capital política del país, Stiller se acompaña de litros de cafeína y de sus antiguos compadres de “Noche en el museo” (Shawn Levy, 2006) para aguantar la sacrificada tarea de llevar el orden a otra de esas pinacotecas que tanto gustan en Estados Unidos, escaparates de figuras de cera y cartón piedra que viven a horas intempestivas lo que de día contemplan desde sus peanas sin gloria. Una resurrección que también posee mucho de cinematográfico y de iconos que, vigile Stiller o no, merecerían un museo para ellos solos.

El esqueleto de dinosaurio: “La fiera de mi niña” (Howard Hawks, 1938). David Huxley (Cary Grant) no era perseguido por un tiranosaurio fosilizado con peor despertar que un carnívoro en “Parque Jurásico” (Steven Spielberg, 1993) a dieta caprina, pero el volante para el cardiólogo lo tenía asegurado con la irrupción de Susan Vance (Katharine Hepburn) en sus hasta el momento ordenadas vida… y ristra de huesos de brontosaurio. Si un vago de Brooklyn como Larry Daley (Stiller) no está acostumbrado a correr mil metros lisos en su primera noche de trabajo, un paleontólogo con el espíritu aventurero de un patoaventuras en blanco y negro se merece las sacudidas del genio de Howard Hawks, las dentelladas de un leopardo tan felino como su dueña y los temblores de un esqueleto que se viene abajo en una metáfora de su artítrica rutina. Desoyó el aviso: no arrancar costillas antes de la medianoche. Leer más »

Hace ya unos meses, y a propósito del estreno de la decepcionante “The Spirit”, dábamos un rápido repaso a la relación, cada vez más estrecha, entre cine y cómic. Por entonces ya señalábamos a los superhéroes Marvel como fuente primordial de adaptaciones, tendencia particularmente dada en la última década que parece encaminarse hacia una incidencia incluso mayor en los próximos años. Tal es así que la archiconocida editorial constituyó recientemente Marvel Studios, manteniéndose así más cerca de la explotación de sus figuras en la pantalla a partir de “El increíble Hulk” e “Iron Man”. “X-Men orígenes: Lobezno” es, obviamente, consecuencia directa del éxito de la saga X-Men, un spin-off que abre la veda en una nueva modalidad del producto, prometiendo larga vida a la franquicia. Mientras, se preparan los proyectos para Los Vengadores y el Capitán América, las secuelas para Iron Man o Spider-Man, la película de Thor… el universo Marvel podría estar a las puertas de una era dorada en la pantalla, en la que los venideros títulos formarán un tejido de interrelaciones retroalimentativas entre ellos. Un momento idóneo, por cierto, para pasar lista a los personajes Marvel que ya debutaron en celuloide.

Los 4 Fantásticos. Los hermanos Storm, Reed Richards y Ben Grimm ya fueron víctimas de la serie B en 1994. Cuando Tim Story pretendió una producción a la altura de los fantásticos en 2005, su vocación comercial marcó una cinta que recibió las iras de buena parte de los fans y la crítica (Roger Ebert la incluyó en su libro “Las peores películas de la historia”). Su secuela, “Los 4 Fantásticos y Silver Surfer” supuso una ligerísima mejora respecto a su predecesora, sin que esto impidiera olvidarla al instante. Leer más »

Si una vez hablamos aquí de Clint Eastwood y del peso de la experiencia, las máximas de la veteranía podríamos aplicarlas igualmente con Morgan Freeman. El actor, a día de hoy, se sigue mostrando incombustible y frecuentando las pantallas con una asiduidad de la que pocos intérpretes pueden presumir. Sin ir más lejos, en el último año le hemos visto volver a su papel de Lucius Fox en “El Caballero Oscuro” y ser el jefe de la Hermandad en “Wanted (Se busca)”. Ahora nos llega “The code”, en la que Freeman hace las veces de ladrón de la vieja escuela que se aliará con Antonio Banderas para dar el gran golpe.

Este actor nacido en Memphis en 1937 comenzó su andadura como intérprete en los teatros neoyorquinos durante los 60. No sería hasta los 70 cuando Morgan Freeman diera el salto a la televisión y el cine, salto que en ambos casos se produjo en 1971: en la pequeña pantalla, lo haría con la serie infantil “The electric company”, donde permaneció durante seis temporadas; en la grande, su debut acreditado vendría con “Who says I can’t ride a rainbow!”. Sin embargo, el medio predilecto de Freeman durante los 70 iba a ser la televisión, y su verdadera llegada al cine se pospondría hasta la década siguiente. Leer más »

Viene de: “El intercambio” de Clint Eastwood y el peso de la experiencia (primera parte: años 60, 70 y 80)

Los 90 supusieron su consagración definitiva como uno de los realizadores más importantes. “Cazador blanco, corazón negro” adaptaba el libro homónimo que Peter Viertel había escrito con motivo de su colaboración con John Huston en “La Reina de África”. El texto lanzaba una mirada sobre la figura del director de “El tesoro de Sierra Madre” que Eastwood, como proclamado admirador suyo, no dudó en llevar a la pantalla. En “El principiante”, rodada el mismo año, volvería al género de acción co-protagonizando con Charlie Sheen la cinta que precedería a “Sin perdón” (1992), su western de mayor éxito y aquel con el que se ganaría el favor de la Academia con cuatro premios Oscar®.

A partir de entonces, Eastwood ya era un intachable que no haría sino reafirmar su estatus de gran director a cada nueva obra. “Un mundo perfecto” (1993) resultó una emotiva mirada sobre la infancia y los peligros que la envuelven en el mundo de hoy. “Los puentes de Madison” (1995) confirmó la sensibilidad de un artista larga y frontalmente rechazado por sus concesiones a la violencia en la pantalla, ejecutando a la perfección una de las historias de amor más bellas de cuantas prodigó el cine de los 90. “Poder absoluto” (1997) resultó un thriller eficaz aunque menor, que aportaba algunos apuntes interesantes en torno a la corrupción y el abuso de poder. Más profundo resultaba el retrato social de la América sureña de Savannah en “Medianoche en el jardín del bien y del mal” (1997), mientras que “Ejecución inminente” (1999) se revelaba como un alegato contra la pena de muerte elegantemente disfrazado de entretenido suspense. Leer más »

El nombre de Susan Sarandon se vincula con rapidez a hechos ajenos al mundo cinematográfico: su apoyo al candidato demócrata Barack Obama, su sólido matrimonio con el actor y director Tim Robbins –ya van dos décadas–, su activismo variopinto no exento de polémica allá en su tierra, como una versión femenina de Sean Penn, su compañero en “Pena de muerte” (1995), la película que le valió el Oscar® –que dice guardar en el baño, qué original– y su rápida asociación al rol de monja benévola y luchadora, después de que Jennifer Jones ganase el primer premio de la Academia por un papel de monja en “La canción de Bernadette” (1943). La formación de sus bases como actriz se remontan a unas décadas atrás, pero muy relacionadas con el personaje mítico de la hermana Helen Prejean, pues Sarandon se preparó como intérprete en la Universidad Católica de Washington D.C. Allí conoció a su primer marido, el también aspirante a actor Chris Sarandon –cuyo apellido mantuvo como nombre artístico, a pesar de que en su acta de nacimiento figure Susan Abigail Tomelin–, quien ha terminado haciendo mucha televisión, aunque el espectador puede recordarlo como el malévolo príncipe Humperdinck de “La princesa prometida” (1987).

Ambos acudieron a Nueva York para el casting de “Joe, ciudadano americano” (1970), del que Chris se fue de vacío y Susan con un papel protagonista bajo el brazo. Hoy parece una paradoja que la actriz se estrenase con un drama en el que se diseccionaba la fidelidad a las barras y las estrellas, así como la memoria de Vietnam y la repulsión por ciertos nuevos valores estadounidenses, como el movimiento hippie. La jovencita que encarnaba a la hija de Peter Boyle no llamó la atención, y Sarandon, que lucía una apariencia modosa por esta época, continuó cultivándose en cintas menores, a veces junto a estrellas mayores como Sofia Loren en “Mortadela” (1971) o Robert Redford en “El carnaval de las águilas” (1975), o cineastas como Sidney Lumet en “Lovin’ Molly” (1974) o Billy Wilder en “Primera plana” (197). Su pausado avance en el mundillo halló el resorte en la producción menos esperada: un alocado y filogay musical que enseguida adquiere la categoría de film de culto, “The Rocky Horror Picture Show” (1975). Leer más »