Reportajes de cine

Si una vez hablamos aquí de Clint Eastwood y del peso de la experiencia, las máximas de la veteranía podríamos aplicarlas igualmente con Morgan Freeman. El actor, a día de hoy, se sigue mostrando incombustible y frecuentando las pantallas con una asiduidad de la que pocos intérpretes pueden presumir. Sin ir más lejos, en el último año le hemos visto volver a su papel de Lucius Fox en “El Caballero Oscuro” y ser el jefe de la Hermandad en “Wanted (Se busca)”. Ahora nos llega “The code”, en la que Freeman hace las veces de ladrón de la vieja escuela que se aliará con Antonio Banderas para dar el gran golpe.

Este actor nacido en Memphis en 1937 comenzó su andadura como intérprete en los teatros neoyorquinos durante los 60. No sería hasta los 70 cuando Morgan Freeman diera el salto a la televisión y el cine, salto que en ambos casos se produjo en 1971: en la pequeña pantalla, lo haría con la serie infantil “The electric company”, donde permaneció durante seis temporadas; en la grande, su debut acreditado vendría con “Who says I can’t ride a rainbow!”. Sin embargo, el medio predilecto de Freeman durante los 70 iba a ser la televisión, y su verdadera llegada al cine se pospondría hasta la década siguiente. Leer más »

Dicen que Walt Kowalski, protagonista de “Gran Torino”, es aquello en lo que Harry Callahan podría haberse convertido con el paso de los años. Imaginen a un Harry ‘el sucio’ retirado, de un humor agraviado con los años de jubilación. Harry, o Walt, vive hoy entre un montón de caras extrañas, entre vecinos de ojos rasgados y pandilleros que no le hacen ni pizca de gracia. No hace falta decir que estamos ante un hombre chapado a la antigua y anclado a su sentido de la patria y sus recuerdos, bien simbolizados en su Gran Torino del 72. Y si en él han hecho mella los achaques de la edad, la resignación y la disconformidad con todo lo que le rodea, permanece intacto su sentido de la justicia. Para él, los buenos siguen siendo los buenos y los malos, los malos. Por eso, cuando el Gran Torino o la seguridad de los primeros se ven amenazados, es excusa suficiente para hacerle levantar de su porche y volver a la acción.

Si hay tópicos o arquetipos que acaban imponiéndose en la visión cultural que la audiencia tiene de un actor, Clint Eastwood ha sido demarcado, a lo largo de las décadas, con la imagen de tipo duro con pocas concesiones. Sin embargo, de su trayectoria como intérprete a su recorrido como director, Eastwood se ha encargado de revisar a sus más emblemáticos personajes para ofrecer nuevas lecturas y plantear evoluciones que desafiaban a las rígidas coordenadas en las que se ubicaba sistemáticamente no al Eastwood que veíamos en la pantalla, sino a la figura en sí misma. Y eso que hablamos de uno de los intérpretes cuyas encarnaciones se prodigan a menudo entre la mitología más selecta del séptimo arte, los favoritos de la memoria cinéfila a los que remitimos excitados cuando las palabras spaghetti western y otras salen a la palestra. Leer más »

Viene de: “El intercambio” de Clint Eastwood y el peso de la experiencia (primera parte: años 60, 70 y 80)

Los 90 supusieron su consagración definitiva como uno de los realizadores más importantes. “Cazador blanco, corazón negro” adaptaba el libro homónimo que Peter Viertel había escrito con motivo de su colaboración con John Huston en “La Reina de África”. El texto lanzaba una mirada sobre la figura del director de “El tesoro de Sierra Madre” que Eastwood, como proclamado admirador suyo, no dudó en llevar a la pantalla. En “El principiante”, rodada el mismo año, volvería al género de acción co-protagonizando con Charlie Sheen la cinta que precedería a “Sin perdón” (1992), su western de mayor éxito y aquel con el que se ganaría el favor de la Academia con cuatro premios Oscar®.

A partir de entonces, Eastwood ya era un intachable que no haría sino reafirmar su estatus de gran director a cada nueva obra. “Un mundo perfecto” (1993) resultó una emotiva mirada sobre la infancia y los peligros que la envuelven en el mundo de hoy. “Los puentes de Madison” (1995) confirmó la sensibilidad de un artista larga y frontalmente rechazado por sus concesiones a la violencia en la pantalla, ejecutando a la perfección una de las historias de amor más bellas de cuantas prodigó el cine de los 90. “Poder absoluto” (1997) resultó un thriller eficaz aunque menor, que aportaba algunos apuntes interesantes en torno a la corrupción y el abuso de poder. Más profundo resultaba el retrato social de la América sureña de Savannah en “Medianoche en el jardín del bien y del mal” (1997), mientras que “Ejecución inminente” (1999) se revelaba como un alegato contra la pena de muerte elegantemente disfrazado de entretenido suspense. Leer más »

Acaba de salir a la venta una completísima gama de ediciones en dvd y blu-ray de “Sweeney Todd: El barbero diabólico de la calle Fleet” (2007), el musical de Broadway reconvertido en orgiástico diorama por Tim Burton. Nada recomendable para los espectadores propensos a apartar rápidamente los ojos de la pantalla al más mínimo gesto amenazador por parte de un objeto afilado. Utensilios habituales en cualquier barbería —de las antiguas, antes de que la higiene aboliese el ritual público del afeitado—, aunque nuestra morbosa atención —sí, también la de quienes luego no miran— se dirija antes a la destartalada tienda de un mal barrio inglés que al impoluto negocio con una de esos cilindros giratorios en blanco y rojo. Cómo no encontrar en ella barberos psicóticos y crímenes más fáciles que una garganta puesta en bandeja. O el ojo, pues la palma en los gritos de pánico y los violentos tirones de cuello se la lleva “Un perro andaluz” (1929), el manifiesto surrealista de Buñuel que aún despierta las mismas reacciones que el día de su estreno, aun avisando previamente de la polémica imagen…

Quizá por influencia de su amigo Salvador Dalí, interventor en los diseños oníricos de “Recuerda” (1945), en esta película a Gregory Peck le dé por armarse de navaja tras un ataque de locura y regresión temporal. Menos mal que Ingrid Bergman estaba bien arropada en la cama y que un vaso de leche puede hasta con las peores pesadillas. Otros que se tomaron la misma parsimonia para afilar la navaja antes de rebanar tranquilamente algunos cuellos, oreja o lo que se terciase, son el psichokiller de “Tinieblas” (1982), giallo de Dario Argento, Michael Madsen en “Reservoir dogs” (1992) —aunque Tarantino tuvo la sensibilidad de deslizar la cámara hacia fuera de campo—, en “Vestida para matar” (199), “Terror ciego” (1971), o jóvenes con miedo a que sus mayores los deshereden, como el protagonista de “What happened then?” (1934). Las gargantas rebanadas son plato típico en cualquier género, aunque las hayamos visto con más frecuencia en las historias de gángsters, también con barberías como escenario —una de las recientes, “Promesas del Este” (2007)—. Leer más »

Hay vidas que se escriben por casualidad. La de John Ford en el cine es una de ellas, y la de sus personajes, también,  tema que abordaba mi compañero Julio Rodríguez Chico hace unos días. Pero si existe alguna historia que convierte el azar en una elegía del destino, ésa es “Pasión de los fuertes” (1946), la película que quien suscribe salvaría de una quema fordiana por su indescriptible y sincera belleza. Rodada en un blanco y negro violento y premonitorio, antes del lamento visual de “El hombre que mató a Liberty Valance” (1962), y consciente de la fuerza dramática de los nubarrones en el campo abierto, mucho antes de que Eastwood emplease la misma lluvia simbólica en “Sin perdón” (1992), la versión romántica que Ford hizo del sheriff Wyatt Earp debe convertirse en referente de cómo abordar un género físico sin perder la compostura y al mismo tiempo ahondando más allá de lo establecido.

En vez de centrar la expectativa en el mítico duelo de O.K. Corral y convertir toda la película en un retraso engañoso de ese momento, Ford propone una justificación emocional del desconocido que llega a la localidad de Tombstone con una venganza en mente. No por casualidad el título original, recogido en la canción popular que abre y cierra la cinta, “My darling Clementine”, hace hincapié en que los tiroteos y las peleas de saloon adquieren su verdadero sentido por la tempestad interna del protagonista. Por supuesto, en su línea de sobriedad expresiva, Ford no pretende regalarnos escenas de melancólicos discursos o declaraciones directas. Sólo el baile indispensable en cualquier historia del realizador permite un acercamiento entre Earp y Clementine, interpretados con magistral sutileza por Henry Fonda y Cathy Downs, hasta consumarse en uno de los más poéticos finales de la Historia del cine, precedente del sacrificio de Tom Doniphon y de la sombra recortada de Ethan Hunt en “Centauros del desierto” (1956).

Pocas personas encajarían la idea de un discurso de Hamlet entre rudos vaqueros, pero Ford se atreve a introducir al personaje del actor Thorndyke, proporcionando tanto momentos de humor como el refuerzo de un trasfondo trágico. Del mismo modo que puede conjugar la sensibilidad con la firmeza, la sobriedad formal y la riqueza interna; contradicciones que alcanzan su punto álgido en la escena en que Earp protege de la lluvia el rostro de su hermano muerto, un momento que Ford nos repetiría de manera similar en “Tres padrinos” (1948) para recordarnos que el cine también nos previene a nosotros de historias que en la realidad serían demasiado crueles.

En las imágenes: Fotogramas de “Pasión de los fuertes” - Copyright © 1946 Twentieth Century-Fox Film Corporation. Todos los derechos reservados.