Reportajes de cine

Las declaraciones recientes de Viggo Mortensen han disparado rumores sobre la posibilidad de que, en pleno alarde de su madurez interpretativa, pudiera abandonar los sets de rodaje. En cualquier caso, el estreno de su última película es motivo suficiente para un repaso justificado a una carrera siempre interesante, incluso antes de entrar en la Comunidad del Anillo. En “Good”, Mortensen es John Halder, profesor de literatura en la Alemania de los 30 que escribe una novela defensora de la eutanasia. Su publicación lleva a varios políticos a utilizarla como elemento de apoyo a la propaganda gubernamental y a Halder, a más de un brete en el auge del nacionalismo alemán.

Pero antes de escritor en tiempos revueltos, Viggo Mortensen ha dibujado una trayectoria quizá más larga de lo que muchos imaginan. Fue en 1984 su debut en televisión, interpretando a un teniente en la mini-serie “George Washington”. Sin embargo, más allá de episodios esporádicos para series varias (“Corrupción en Miami” inclusive), rápidamente demostró su predilección por el cine, en el que debutó con “Único testigo” (1985). A la película de Peter Weir le siguieron “Prison” (1988), para Renny Harlin, o la tercera entrega de la saga “La matanza de Texas” (1990). También el debut de Sean Penn tras la cámara, “Extraño vínculo de sangre” (1991), o la cinta de acción “Boiling point” (1993). Leer más »

Cuenta Shirley Temple que comenzó a rejuvenecer tras cumplir los catorce años. No es que la actriz quisiera denunciar un plagio de Scott Fitzgerald, pues dicho cumpleaños coincide con su despedida del status de estrella infantil en “Miss Annie Rooney” (Edwin L. Marin, 1942) —y un año después de que Judy Garland tomase la misma decisión  al graduarse Andy Hardy en la longeva serie co-protagonizada por Mickey Rooney—. Pocos, como el propio Rooney, aguantan hasta la cuarentena sin que les queme el encasillamiento en roles juveniles, y la mayoría, como Temple, se apagan para un público que reclama nuevos iconos de inocencia que mueran jóvenes para siempre. Para desgracia de la pequeña actriz, nadie prestó demasiada atención a sus incursiones en el drama —“Desde que te fuiste” (John Cromwell, 1944) y “Fort Apache” (John Ford, 1948)—, y a sus veintipocos años pudo haber firmado un acta de defunción comercial.

Curiosa, como poco, es la involución experimentada por las estrellas infantiles del cine contemporáneo: de desempeñar roles en cintas de corte adulto a reciclarse en símbolos de rebeldía como consecuencia de una infancia mal curada —Drew Barrymore, Macaulay Culkin—, o especializarse en productos de consumo adolescente que pueden servir o no de trampolín a una carrera en alza que no prejuzgue tan precoz historial. En esa encrucijada se halla ahora mismo Dakota Fanning, la integrante más pequeña de la Academia de Hollywood, lo más próximo a un joven talento moderno; admirada, quizá en exceso a costa de su corta edad, por sus compañeros de reparto, y responsable, junto con su hermana Elle —vista recientemente en “El curioso caso de Benjamin Button” (David Fincher, 2008)—, del monopolio en cine y televisión de cualquier pequeño papel de hija, nieta o sobrina de enormes y expresivos ojos azules. Leer más »

No, no se ha ido al otro mundo: Richard Jenkins ahora mismo estará respirando a salvo en su casa de Rhode Island, pero un gran número de telespectadores pondrán rostro al protagonista de “The visitor” (Tom McCarthy, 2007) gracias a “A dos metros bajo tierra” (2001-2005), la serie creada por Alan Ball en la que el patriarca de la familia Fisher salía con los pies por delante en el primer episodio. Durante el acto de entrega de la estatuilla al Mejor Actor en la pasada edición de los Oscar®, los más despistados se preguntaban quién era aquel hombrecillo sentado entre los rutilantes Brad Pitt, Sean Penn, Mickey Rourke y Frank Langella, mientras Adrien Brody le dedicaba un discurso generoso en alabanzas y respeto. La respuesta era contundente: un actor que con 61 años recibe su primera nominación al Oscar® por un papel al que le han seguido otros cuatro estrenos, epítome del esfuerzo de Jenkins por convertirse en un brillante desapercibido.

Al igual que su colega nominado Langella, Richard Jenkins comenzó su carrera sobre las tablas, en el Trinity Repertory Company de Rhode Island, donde desempeñó tanto tareas de actor como de producción y dirección artística. La gracia de curtirse previamente en el teatro permite a cualquier intérprete, al menos a priori, aguantar con estoicismo los primeros y pobres papeles cinematográficos que le caigan en suerte. De piezas clásicas de Shakespeare o Steinbeck a  la butaca del Kodak Theatre, pasando por cara recurrente de los hermanos Farrelly, se vislumbra una curva de gran interés que realza el eclecticismo de nuestros tiempos, cuando “un actor especializado en” ya prácticamente ha dejado de existir ante la caprichosa demanda de la industria. De ahí que Jenkins demostrase su habilidad al aceptar una comedia de apariencia liviana como “Silverado” (Lawrence Kasdan, 1985), y de aquel entretenido western dar el salto a a una de las obras de Woody Allen más aplaudidas, “Hannah y sus hermanas” (1986). Leer más »

La vigesimonovena edición de los premios Razzie, celebrada el pasado 21 de febrero, no sólo hizo entrega a Uwe Boll de la Frambuesa de Oro® al Peor Director, sino que le adjudicó el dudoso título de ‘La réplica alemana de Ed Wood’ —como si no hubiese cierto elogio implícito en nombrar al director de “Plan 9 from Outer Space” (1959)—, a costa de su carrera prolífica, desmedida y, a juicio del jurado de los Razzie®, ejemplificadora de los cineastas que apuestan por los proyectos más rocambolescos sin que las negativas respuestas de crítica y público los conduzcan de una vez por todas al desánimo. “En el nombre del rey” (2007), una historia medieval de corte épico-fantástico que cuenta con Ron Perlman, John Rhys-Davies, Ray Liotta y Leelee Sobieski, es lo último de Boll en llegar a las pantallas españolas tras las no menos denostadas “House of the dead” (2003), “Alone in the dark” (2005), “Postal” (2007) y “Tunnel Rats” (2008). Pero, cual Espartaco, Uwe Boll no ha sido el único crucificado por el jugo perverso de los Razzie®, zumo de altos índices de acidez y cero azúcar, cada vez con menos sabor refrescante y más a cachondeo oportunista.

La primera ceremonia de los Razzie® se convocó en el salón de la vivienda del fundador John Wilson, y en la misma fecha que la celebración de los Oscar®, el 31 de marzo de 1981, al modo de un hijo bastardo y procaz de la parafernalia hollywoodiense. La primera película en estrenar la tradición fue “Que no pare la música” (Nancy Walker, 1980), el musical sobre los Village People que batió a las no menos terroríficas contendientes “Xanadú” (1980), la mal llevada vejez de Gene Kelly, o “El cantor de jazz” (Richard Fleischer, 1980), con Neil Diamond metido a lacrimógeno protagonista. Éste consiguió el premio al Peor Actor junto con Brooke Shields, Peor Actriz por la traumática para una generación de espectadores “El lago azul” (Randal Kleiser, 1980). En esta primera edición se asentaron las categorías que se mantendrían fijas con el paso de los años: Peor Película, Actor, Actriz, Actor y Actriz secundarios, Director, Guión y Canción Original. Leer más »

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A punto de llegar a la década de los 90, Mickey Rourke necesitaba apuntarse un tanto, y se equivocó de pleno, las cosas como son. Tratar de recuperar el tono tórrido de “Nueve semanas y media” no fue la mejor opción, y recurrir al guionista de aquélla, Zalman King, para que se encargara de dirigir el asunto, mucho menos. “Orquídea salvaje” (1989), las andanzas erótico-bobaliconas de John Wheeler (Rourke) y Emily Reed (Carré Otis), carece del más mínimo atractivo, más allá de lo apetecible que pueda parecer al espectador ver al elenco hacer el ridículo durante la práctica totalidad del metraje. Jacqueline Bisset y nuestra Assumpta Serna acompañan a un dúo central ─nominado a sendos Razzies por su labor─ que mantuvo un romance en la vida real hasta 1994, cuando él fue detenido acusado de malos tratos; de ella, cuya carrera debía catapultarse hasta el infinito con este tórrido debut, poco más se supo. Así las cosas, nuestro muchacho se aferró a un clavo ardiendo: Michael Cimino, prácticamente olvidado por la industria y que llevaba alejado de las cámaras desde 1987, cuando se encargó de adaptar sin demasiado tino “El siciliano”, sobre la novela de Mario Puzo. “37 horas desesperadas”, revisitación desangelada del clásico de William Wyler de 1955, presentaba a un fugitivo que buscaba refugio en casa de una familia adinerada a la espera de la llegada de su cómplice (Kelly Lynch) para poder escapar de la justicia. Aburrida, insoportable a ratos incluso, tristemente dirigida a pesar de contar con nombres como los de Anthony Hopkins, Lindsay Crouse, Elias Koteas, David Morse o Mimi Rogers, defenestró definitivamente al cineasta ─no volvería hasta “Sunchaser” (1996), regular propuesta que le valdría una nueva opción a hacerse con la Palma de Oro─ e inició el descenso al submundo trash de Mickey Rourke, una travesía que duraría la friolera de casi tres lustros.

Era su sueño desde pequeño, así que nadie puede negarle la valentía de tratar de cumplirlo. Pero durante los cuatro años (entre 1991 y 1995) en los que “El Marielito” ─nombre pugilístico de Rourke─ surcó los mares de lona, lo único que recibió fue paliza tras paliza (ganó todos los combates, eso sí), una somanta de la que pudimos ver una muestra en una tristemente memorable velada que ofreció en nuestro país la pantalla amiga. En parte pretendía purgar su espíritu, excesivamente rebelde, a base de palos. Pero fue un tremendo desliz, grabado a fuego en un rostro que debió pasar por quirófano en cuatro ocasiones para reconstruirle el cartílago nasal y reducirle una fractura de pómulo. Se acabó la que fuera una de las caras bonitas del cine internacional. Convertido ya en un auténtico tarugo ultramusculado, se apuntó un pequeño tanto comercial con “Dos duros sobre ruedas”, producción pensada, según confesó Simon Wincer, específicamente para él y Don Johnson. En ella era Harley Davidson, un machote tosco y rudo que junto a su colega Marlboro Man (Johnson) hacía frente a unos matones que trataban de expropiar el terreno en el que estaba situado su bar favorito; según ha confesado Rourke, aceptó la propuesta simplemente por motivos económicos, porque sus apuros comenzaban a ser realmente alarmantes. Y es que la década de los 90 se asemeja mucho ─demasiado─ a la situación que refleja Randy Robinson en la cinta de Darren Aronofsky que le ha sacado definitivamente del pozo en el que ha vivido sumergido durante tanto tiempo.
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