Reportajes de cine

Harvey (Dustin Hoffman) es el personaje que se pasea entre las bambalinas de cualquier comedia romántica con bodorrio conclusivo: la perfección pastelosa del romance de su hija pasa a un segundo plano para presentar la cara menos amable —en principio— del amor adulto. La última oportunidad de Harvey atañe a su fracaso familiar, su trabajo acomodaticio y su falta de ilusión amorosa, algo que puede enmendar Kate (Emma Thompson) si ambos se desprenden de sus amarguras y corroboran eso de que “Nunca es tarde para enamorarse” (Joel Hopkins, 2008). Un Londres otoñal deshoja un flechazo que la pareja se toma con calma, en imitación a otros tórtolos desprevenidos que pensaron que los enamoramientos sólo se escribían en el cine para protagonistas sin arrugas.

“Breve encuentro” (David Lean, 1945). En un año de terrible transición histórica, las gentes ya no creían en alternativas maravillosas como el país de Oz y la realidad se mostraba más gris que sepia en las ciudades y las estaciones de tren. Hubo un suspiro, sin embargo, cuando Laura (Celia Johnson) y Alec (Trevor Howard) se conocieron en la ficticia parada de Milford y, cual andén 9¾, entraron en un mundo novedoso: filmar con buenos ojos la probabilidad de un adulterio. Insorteable cinta de amor a destiempo que Truffaut consideraba demasiado perfecta, este romance fugitivo sobre el sacrificio inspiró “El apartamento” (Billy Wilder, 1960) y una versión italiana de 1974, con Sophia Loren y Richard Burton como marchitos soñadores.
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Es la nueva estrategia de las productoras para celebrar preestrenos con alfombras rojas y el motivo de que el gremio de dobladores profesionales se esté rasgando las vestiduras. “Monstruos contra alienígenas” (Rob Letterman y Conrad Vernon, 2009) ha sido la última en abducir a Reese Witherspoon, Hugh Laurie, Seth Rogen, Paul Rudd y Kiefer Sutherland. Pocas películas de animación tendrán un póster promocional sin nombres de celebrities impresos a gran escala, prácticamente eclipsando el contenido cinematográfico y los personajes que protagonizan la acción, a menos que el milagro digital les haya dotado de los mismos rasgos faciales que quienes les prestan voz. Mientras que ahora muchos de los dibus carecerían de significado popular sin su referente de carne y hueso, antaño algunos intérpretes debían esconderse en la animación bidimensional para rascar algún sueldo extra. Un fenómeno que Hollywood ha exportado en un abrir y cerrar de ojos al famoseo de cualquier país, con todas las ventajas y desventajas de la globalización: no todas las estrellas pueden garantizar un nivel de calidad óptimo con sus aptitudes de doblaje.

La precisión de los actores estadounidenses al abordar estas tareas ha sido demostrada con creces desde el nacimiento de la moda, durante el regreso a principios de los noventa de las citas anuales con Disney. La explicación no deja en ridículo las cuerdas vocales de otras nacionalidades, sino que parte de una premisa básica: las producciones se amoldan desde su gestación a las necesidades del país de origen, de tal modo que un trabajo intenso y paciente con los actores desde el proceso de bocetado de los personajes asegura una correspondencia fluida entre dibujos animados e intérpretes reales. Los grandes estudios piensan con toda lógica en su mercado principal, el patrio, dejando en manos de la providencia y de unos distribuidores con más o menos ganas de llenar el bolsillo o respetar el producto lo que se haga fuera de las fronteras. Y esa aparente despreocupación parece deberse a un aprendizaje de campo antes que a una verdadera actitud negativa: nefasto fue el exceso de control que Kubrick impuso sobre los doblajes internacionales de “El resplandor” (1980) —Verónica Forqué gritando aquello de «¡Jack, Jack!»— o, de regreso al ámbito animado, las versiones que Phil Collins hizo de las canciones de “Tarzán” (Chris Buck y Kevin Lima, 1999) en castellano, francés, alemán e italiano, guiándose únicamente por imitación fonética. Leer más »

Dicen que Walt Kowalski, protagonista de “Gran Torino”, es aquello en lo que Harry Callahan podría haberse convertido con el paso de los años. Imaginen a un Harry ‘el sucio’ retirado, de un humor agraviado con los años de jubilación. Harry, o Walt, vive hoy entre un montón de caras extrañas, entre vecinos de ojos rasgados y pandilleros que no le hacen ni pizca de gracia. No hace falta decir que estamos ante un hombre chapado a la antigua y anclado a su sentido de la patria y sus recuerdos, bien simbolizados en su Gran Torino del 72. Y si en él han hecho mella los achaques de la edad, la resignación y la disconformidad con todo lo que le rodea, permanece intacto su sentido de la justicia. Para él, los buenos siguen siendo los buenos y los malos, los malos. Por eso, cuando el Gran Torino o la seguridad de los primeros se ven amenazados, es excusa suficiente para hacerle levantar de su porche y volver a la acción.

Si hay tópicos o arquetipos que acaban imponiéndose en la visión cultural que la audiencia tiene de un actor, Clint Eastwood ha sido demarcado, a lo largo de las décadas, con la imagen de tipo duro con pocas concesiones. Sin embargo, de su trayectoria como intérprete a su recorrido como director, Eastwood se ha encargado de revisar a sus más emblemáticos personajes para ofrecer nuevas lecturas y plantear evoluciones que desafiaban a las rígidas coordenadas en las que se ubicaba sistemáticamente no al Eastwood que veíamos en la pantalla, sino a la figura en sí misma. Y eso que hablamos de uno de los intérpretes cuyas encarnaciones se prodigan a menudo entre la mitología más selecta del séptimo arte, los favoritos de la memoria cinéfila a los que remitimos excitados cuando las palabras spaghetti western y otras salen a la palestra. Leer más »

Estoy convencido de que Amy Adams jamás creyó que algún día llegaría a colaborar con algunos de los intérpretes más reputados del cine contemporáneo. Aunque nació en Aviano (Italia) en el verano de 1974, ello fue debido al trabajo de su padre, que era militar. Sin embargo, en realidad creció en Colorado junto a su familia, iniciándose en el canto y en el baile. De joven le encantaban las novelas románticas y, de hecho, soñaba con interpretar a Scarlett O’Hara. En 1999 debutaría en la gran pantalla gracias a “Muérete, bonita”, trasladándose luego a Los Ángeles por recomendación de Kirstie Alley, quien trabajaba en el filme y conocía sus deseos de ser actriz.

Por supuesto, los comienzos no fueron fáciles y tan sólo consiguió papeles en episodios sueltos de algunas conocidas series de televisión, caso de “Aquellos maravillosos 70″ (2000), “Buffy cazavampiros” (2000)” y “Embrujadas” (2000). También se dejó ver en “Crueles intenciones 2″ (2000), que en realidad es una conjunción de tres episodios de un producto para la pequeña pantalla que nunca llegó a emitirse y que luego se estrenó en forma de telefilm. Mayor fortuna tuvo en sus papeles para “Smallville” (2001) y “El Ala Oeste de la Casa Blanca” (2002), participando durante ese tiempo en películas de bajo presupuesto que casi nadie fue a ver (“The slaughter rule”, “Pumpkin” y “Colgado de Sara”, todas ellas de 2002). Leer más »

Liv y Emma son dos amigas enfrentadas por la misma fecha de boda en “Guerra de novias”, la nueva comedia romántica escrita para Kate Hudson y Anne Hathaway, dos actrices que luchan, como sus protagonistas, por hacerse con la corona del matriarcado en el género. No se les ocurrió desde el comienzo a tan íntimas camaradas de sueños-cliché el celebrar una boda conjunta, como ocurría en el pluralísimo final de “Siete novias para siete hermanos” (1954), ni tampoco aprender lecciones de protocolo en las historias de bodorrios mucho más catastróficos que los suyos. Para remediar tamaño egotismo, recordamos a unas cuantas novias clásicas que validaron el viejo dicho: si te casas, no permitas que nadie te filme.

La boda, contemplada como acontecimiento más social que familiar, instruía a los espectadores de la época Hays en el justo equilibrio de clases: el pobre abrazaba a la rica heredera o viceversa para provocar los suspiros emocionados de una platea que creía en el sello sagrado del amor… en pantalla o en las páginas de sociedad del periódico. Ni fuera ni dentro de ellas nadie comentaba lo evidente: que la boda, como acto más privado que público, podía ser el principio de una aburridísima película. De esta regla silenciosa derivaba la más fundamental de todas: la película-boda debía rodarse en homenaje a la protagonista absoluta, la novia del vestido prístino en blanco y negro y de las mejillas sonrosadas en Technicolor. Hasta que la mesura de los colores y el descreimiento en los relatos de familia han dado paso a las batallas, los tartazos y otros desastres pre-conyugales. Leer más »