Reportajes de cine

“La casa de mi padre” otorga de nuevo el protagonismo a un Carmelo Gómez que demuestra una versatilidad confirmada a lo largo de toda su trayectoria. Gómez ha sido portero, suicida enamorado de Salma Hayek o cámara de guerra, y ahora hace las veces de un empresario que vuelve a su pueblo tras 10 años en Argentina. A su vuelta, se encuentra con un hermano moribundo y un sobrino descarriado al que debe reencauzar. Un nuevo reto interpretativo que añadir a la carrera de uno de los mejores intérpretes del cine español.

Este leonés nacido en 1962 comenzó su andadura artística en 1986 con “El viaje a ninguna parte”, uno de los grandes títulos de Fernando Fernán-Gómez que le vería debutar como mozo. Pero este sería un conato que no se confirmaría en verdadero inicio de una carrera televisiva y cinematográfica hasta tres años después. En 1989 participaba en el telefilme “Muerte a destiempo” y en “Bajarse al moro”, de Fernando Colomo. Compartió pantalla con Antonio Resines o Emilio Gutiérrez Caba en “Loco veneno” (1989) y con Antonio Banderas en “La otra historia de Rosendo Juárez” (1990), antes de formar parte del reparto de “El Quijote de Miguel de Cervantes” (1991), adaptación en formato mini-serie que llevara a cabo Manuel Gutiérrez Aragón. Sin embargo, sería la puesta en largo de Julio Medem, “Vacas” (1992), la que le sacaría del anonimato y le daría su primera colaboración con Emma Suárez, actriz con la que iba a repetir en varias películas, siendo “La casa de mi padre” la última de ellas. Leer más »

Sostienen algunos miembros del gremio de productores que los ralentíes en el avance de la industria cinematográfica española se deben, en parte, a la sobreexplotación de temáticas caducas, como la Guerra Civil (1936-1939). Si bien la enfermedad de nuestro cine es, evidentemente, mucho más extensa y compleja, razón no les falta al señalar un síntoma tan cristalino. Lo curioso del caso es que el último estreno a colación del tema, “La mujer del anarquista”, ha sido dirigido por una francesa, de raíces españolas, y un alemán: Marie Noëlle y Peter Sehr. Como le sucede a las Guerras Mundiales en un ámbito global, aunque dominado por las superproducciones estadounidenses, la Guerra Civil ofrece periódicamente nuevos relatos a un público del que sabe obtendrá beneficios, gracias a la reiteración temática convertida en rutina intocable y a la fidelidad de un sector que todavía atesora recuerdos en primera persona del conflicto, y que pretende refrescarlos y reafirmarse en ellos a través de la trinchera blanca. Mientras, productores más inquietos o trasnacionales —cosa que desmiente esta última coproducción franco-germana— y un público distante con los tiempos de guerra hablan de hartazgo. Y dicen estar hartos de…

Dualismo de valores: La homogeneidad del bien contra el mal, aparte de su universalidad mitológica, nace en 1938 con la inauguración de la Junta Superior de Censura, mecanismo que, como el Ministerio de Propaganda de Goebbels, reconocía a recientes inventos un valor insospechado. Los peligros del cine se domaron mediante esta política proteccionista, en términos ideológicos, ideada por el régimen franquista a semejanza de sus admirados colegas fascistas y nacionalistas. Dios contra el Diablo, herencia de la moral católica enarbolada por Franco como rasero social, se encarnarían en una lucha fraterna de la que han pervivido en mayor abundancia, por los motivos censores expuestos, testimonios de exaltación nacionalcatólica. “Raza” (1941), de Sáenz de Heredia, adaptó el mito ario a la población ibérica, y “A mí la legión” (1942), del populista Juan de Orduña, exaltaba con jactancia hollywoodiense las glorias del ejército vencedor. Dos ejemplos del deplorable cine heredado hasta la década de los cincuenta, valioso únicamente en términos de investigación formal, histórica y académica. El revival contemporáneo de historias sobre la guerra civil busca, en primera instancia, vengar esa destrucción del patrimonio republicano previo a 1939, del que sólo nos quedan películas musicales y evasivas, y prestar voz al silencio, a veces, con idéntico afán maniqueo. Leer más »

No cabe duda de que en los últimos años el fenómeno Barcelona se ha extendido por la literatura de nuestro país y que, como desearía Mediapro a raíz de “Vicky Cristina Barcelona” (2008), podría convertirse en uno de los escenarios más reclamados por las producciones y coproducciones internacionales. Sin embargo, lo más criticado del nuevo Woody Allen es ese manierismo que sustituye la mirada única de un director por la de cualquier ciudadano que pretende reconocer aquello que vio en su visita o aquellos enclaves imprescindibles en un recorrido de manual ilustrado a los que acudirá cuando se anime un fin de semana y el cine otorgue nuevos dividendos al turismo. Es difícil, en todo caso, que una vez contratado el escenario con vistas a una proyección mundial y bajo un nombre rutilante la cámara no le otorgue el protagonismo solicitado por las partes interesadas. Para qué rodar en unas callejuelas minoritarias que podrían ser de aquí o de Viena si podemos hacer que Scarlett Johansson salte de La Pedrera al Tibidabo, en su fácil papel de extranjera. Ni siquiera estoy segura de que el objetivo principal se haya conseguido, pues la Johansson y otros asuntos morbosos colaterales se han cobrado todo el crédito y los titulares frente al fondo barcelonés.

Pero para resarcir y completar las estampas de Allen disponemos de otros títulos que, en mayor o menor medida de escenas, han recurrido a la ciudad condal para ubicar sus historias. Comenzando por nuestro cine patrio, como “El embrujo de Shanghai” (2002), con una Barcelona de época tamizada por la memoria de Juan Marsé, o “Todo sobre mi madre” (1999), donde Almodóvar emigra junto a Manuela (Cecilia Roth) desde Madrid y se distinguen enclaves tan paradigmáticos como la Sagrada Familia o el Monumento a Colón frente a otros menos reconocibles, como el Hospital del Mar o la Plaza del Duque de Medinaceli. Atrás en el tiempo se encuentran películas más desapercibidas como “La calle sin sol” (1948), basada en una obra del dramaturgo Miguel Mihura, la histórica “La ciudad quemada” (1976), de Antoni Ribas, “Si te dicen que caí” (1989), de Vicente Aranda, la teleserie “La forja de un rebelde” y “La ciudad de los prodigios” (1999), ambas de Mario Camus, junto a la ingente cantidad de materiales documentales que registran la historia de Cataluña y los acontecimientos de posguerra, y que ofrecen las imágenes más fieles y retrospectivas de todo el conjunto, si bien de nulo interés para las ventas visuales que hoy quieren hacerse de la ciudad. Leer más »