Reportajes de cine

Las iras, indignaciones y desprecios, o como se prefiera apelar a la rabieta, que el título arriba indicado podría provocar en las filas eclesiásticas palidecen ante la tajante condena del Vaticano a todo lo que lleve impreso el nombre de Dan Brown, Robert Langdon o, en los últimos tiempos, Tom Hanks. La inercia de la primera piedra lanzada contra un motivo proscrito del debate público no provoca que la irreverencia siga a la polémica, sino más bien a resultas de bailar las aguas removidas por un Hollywood que necesita poner guapos hasta a sus sacerdotes, y por un escritor que describió Sevilla como un reducto infeccioso perfecto para un apocalipsis de Cuarón o Meirelles. «Tenía un rostro sorprendentemente atractivo», describe Brown al camarlengo Carlo Ventresca —rebautizado por el más escocés Patrick McKenna—  en “Ángeles y demonios”, la novela-precuela de “El código Da Vinci” (2006) que a través de la adaptación cinematográfica de Ron Howard se transforma en secuela narrativa y, confían, también en repetición sísmica de nuevos réditos. Mientras Ewan McGregor hace honor a la escueta línea de Brown, no está de más indagar en qué referentes estaba pensando el escritor cuando recaló en que el hábito no tiene por qué hacer al monje menos atractivo.

El abad Coulmier, interpretado por Joaquin Phoenix en “Quills” (Philip Kaufman, 2000). Acostumbrado a pasearse con ojos llororos, antes de que los ocultara tras las gafas de sol y la espesa barba de Santa Claus —¿será Phoenix otra ilusión navideña de intenciones comerciales estratégicas, será su metamorfosis cierta y tendremos que volver a creer en papás noeles?—, el actor infundaba lástima y desgarro a sus personajes, como si el labio partido fuese obra de un bestia con el que se hubiese cruzado pocos minutos antes. No fue para menos en este biopic parcial —en todos los sentidos— del Marqués de Sade (Geoffrey Rush), donde éste y el ternísimo abad de Joaquin Phoenix se disputaban con palabras soeces y silencios el afecto de una lavandera, en manos y carnes de una Kate Winslet inclinada, como su colega, hacia los protagonistas atormentados. Dos amores prohibidos, por un hombre religioso y por una literatura erótica salvaje, desdoblan la función de un Sade que tuvo mejor traductor en Luis Buñuel que en Kaufman y su escatología pedestre. Leer más »

Ben Affleck es el político salpicado, de un día para otro, por una misteriosa sospecha. Russell Crowe es el periodista que por ayudar entiende esclarecer cualquier negro asunto del gobierno estadounidense. Rachel McAdams es la novata dispuesta a vender su inocencia por una buena historia. Y Helen Mirren es la editora en la sombra que espolea y machaca las relaciones del cuadrilátero. Un rápido reparto de roles bastaría para condensar la prolija acción de “La sombra del poder”, el segundo largo de Kevin Macdonald tras su aclamada “El último rey de Escocia” (2006). Pero no es así: cintas comprometidas que preservan para generaciones futuras las inquietudes de una época, estas historias de investigación política resultan tan imprescindibles como difíciles de abordar por su carga de sobreinformación. Aún así, las viñetas cinematográficas de esas noticias que el diario presenta en blanco y negro, de vez en cuando logran la ilustración imperecedera de sus mayores hazañas.

El caso Watergate: “Todos los hombres del presidente” (Alan J. Pakula, 1976). Macdonald refiere este clásico título como una de sus películas de cabecera en la gestación de “La sombra del poder”, a pesar de que ésta tenga su origen real en la estupenda miniserie británica “State of play” (2003), protagonizada por Bill Nighy, David Morrissey, Kelly Macdonald y James McAvoy. El ahínco del redactor McAffrey (Crowe) resulta equiparable al de Bernstein y Woodward, la pareja de reporteros del Washington Post que destapó las culpas del presidente Nixon gracias al soplo del anónimo Garganta Profunda. La química entre Dustin Hoffman y Robert Redford impera en esta función de sugestivas escenas mudas y aridez fotográfica, cercana al más puro ejercicio de cine documentalista. Leer más »

Invierte la media hora (larga) del café en arramblar mercancía de pasarela en liquidación y no puede acudir a una entrevista de trabajo sin un foulard nuevo. Hasta aquí nada sorprendente en el ámbito funcionarial y en los secretos inconfesos de varias empresarias. El problema se agrava si, como Rebecca Bloomwood (Isla Fisher), tiene una deuda de cinco dígitos y se enamora de un hombre porque ambos “hablan Prada”. “Confesiones de una compradora compulsiva” (P.J. Hogan, 2008) satiriza sobre el tema con un gusto puesto en entredicho por una horda de críticos ofendidos y, según se desluce de sus textos, más concienciados con el panorama financiero mundial que con los gajes de su oficio. De la tarde de compras de Julia Roberts y Richard Gere en “Pretty Woman” (Garry Marshall, 1990) al periodismo prêt-à-porter de “El diablo viste de Prada” (David Frankel, 2006), la ligereza y la ropa son sinónimos en la misma entrada del chick flick. 

En la neoyorquina “The Village Voice” han llegado a definir la película como «un gesto escandaloso y obsceno mientras la economía continúa tragándose medios de subsistencia, hogares y esperanzas». Otros, más benévolos, comparan a la crecidita Fisher —vista de secundaria en “Scooby-Doo” (Raja Gosnell, 2002), “Extrañas coincidencias” (David O. Russell, 2004) o “Definitivamente, quizás” (Adam Brooks, 2008)— con la reina de la screwball Carole Lombard. Quien escribió tan generoso como hiperbólico símil tal vez tenía en mente la frívola desesperación de la actriz por pescar a un rico heredero en “Candidata a millonaria” (Mitchell Leisen, 1935), pero lo cierto es que ninguna señorita de la comedia ha podido prescindir de un nutrido guardarropa —mejor aún si lo había rellenado Edith Head o Adrian—, así como determinados personajes han recurrido a la ayuda de una prenda de vestir para salir del apuro o provocarlo sin consciencia. La moda sale del armario. Leer más »

En un momento concreto de la reciente “Valkiria”, alguien menciona aquello de que impera liberar a Alemania de las garras del nazismo si no quieren que sea por siempre “la Alemania de Hitler”. Ciertamente, el cine ha focalizado su mirada sobre el periodo más oscuro tanto del país como de la Europa del pasado siglo. La Segunda Guerra Mundial y la incidencia del nacionalsocialismo alemán han sido temas predilectos en algunas de los grandes títulos del cine. Ahora bien, la historia de Alemania ni mucho menos acaba en 1945, y el país ha pasado por numerosos y convulsos periodos que también han tenido, si bien con menor frecuencia, su correspondiente retrato en la pantalla. Uno de esos periodos corresponde a las actuaciones terroristas lideradas por Andreas Baader, Ulrike Meinhof y Gudrun Ensslin durante los 70. La Baader-Meinhof bande perpetró diversos actos en nombre de la lucha anti-imperialista, actos que incluían ataques a las instalaciones militares estadounidenses o los edificios del imperio periodísitco de Axel Springer. Estos hechos fueron retomados y ficcionados por Stefan Aust para escribir su best-seller «Der Baader Meinhof Komplex», sobre el que se basa una de las cintas más celebradas del último cine germano, “RAF: Facción del Ejército Rojo”.

Remontándonos a la posguerra, las aportaciones al enciclopedismo histórico sobre el país teutón ya se encontraban en una muestra neorrealista como “Alemania, año cero” (1948), en la que un niño de 12 años luchaba por sobrevivir en una Alemania descompuesta, en un Berlín en ruinas. Por su parte, Rainer Werner Fassbinder proponía en “El matrimonio de Maria Braun” (1979) una viuda de la posguerra en luto y búsqueda de Hermann Braun. La lucha de un personaje y su enorme complejidad moral contrastaban sobremanera con el contexto de una Alemania tan derrumbada como el alma de su protagonista. El cineasta alemán iba a hacer del retrato de la Alemania contemporánea una de las aristas de su cine, tal como dejara ver en películas como “El mercader de las cuatro estaciones” (1972). Leer más »

Pese a que la Academia se ha empeñado por activa y por pasiva en negarle el Oscar® hasta en cinco ocasiones, no le hace falta a Kate Winslet la dorada estatuilla para ser señalada como una de las más grandes actrices de la actualidad. La británica no ha dejado de dar muestras de su talento desde que iniciara su carrera en 1991 y ahora, de nuevo a las puertas de un Oscar® gracias a “The reader (El lector)”, es el momento idóneo para dar un rápido repaso a una fulgurante carrera que lleva camino de convertirla en una nueva reina de la pantalla.

Sus primeros pasos, como los de otros tantos intérpretes, los dio en la televisión de su país, Reino Unido. Varias apariciones en “Dark season” y otras series fueron los precedentes de un salto al cine que vino dado por un Peter Jackson pre-Señor de los Anillos, que le daría el papel de una de las dos hermanas protagonistas de “Criaturas celestiales” (1994). Su aparición posterior en la cinta infantil “Aventuras en la corte del Rey Arturo” (1995) sería un paréntesis antes de afrontar una serie de títulos bajo la batuta de grandes directores consolidados o en ciernes: “Sentido y sensibilidad” (1995) le dio la oportunidad de trabajar con Ang Lee, y “Jude” (1996), con un emergente Michael Winterbottom. Luego fue Ofelia para otra adaptación shakespiriana de parte de Kenneth Branagh, “Hamlet” (1996). Ahora bien, el éxito mayúsculo le llegaría con el título que todos bien conocemos. James Cameron llegaría viento en popa con su “Titanic” en 1997, y Kate Winslet se convirtió, de la noche a la mañana, en una de las grandes estrellas de Hollywood. Es difícil sobrevivir a un éxito tan mastodóntico y, sin embargo, tanto Winslet como Leonardo DiCaprio lo han llevado mejor que el propio Cameron, prácticamente inédito desde entonces.
Leer más »