Reportajes de cine

Si la semana anterior hubo una elevada cota de compras compulsivas, la nueva cinta de época en llegar a nuestras pantallas compensa su tardío estreno con una lectura en forma de réplica a las desventuras de Isla Fisher de tienda en tienda y a cualquier esperpento de siglo añejo que pretenda evadir del nuestro. “La duquesa” (Saul Dibb, 2008) retrata a la ídem de Devonshire, una mujer de sangre azul cuyo arrojo al inmiscurirse en asuntos políticos, dictados revolucionarios de moda y la vida privada de su marido se consideró ejemplar y reflectario de lo que más tarde coparía portadas amarillistas bajo el rótulo de Lady Di. Ese viaje doloroso y casi nunca catártico encuentra su máximo recordatorio en un gusto para la vestimenta que, mal que les pese a las personalidades públicas y a las costosas películas de época con aspiraciones elevadas, es recordado como un sello de calidad. Los últimos Oscar® al Mejor Vestuario para “Shakespeare in love” (John Madden, 1998), “María Antonieta” (Sofia Coppola, 2006), “Elizabeth: La Edad de Oro” (Shekhar Kapur, 2007) y “La duquesa” confirman esta tendencia a entronar el subgénero en el mundo de las apariencias. Georgiana de Devonshire (Keira Knightley) y estos diez clásicos se encargarán de romper el prejuicio, eso sí, sin perder ni un accesorio a juego.

1. “Cleopatra” (Joseph L. Mankiewicz, 1963), diseñado por Irene Sharaff, Vittorio Nino Novarese y Renié. La que se moldeó según los patrones de las más grandiosas coronas y que terminó siendo un lastre para Mankiewicz bien merece un puesto elevado por el centenario del cineasta y por el despliegue de oropeles y ostentaciones, como ya eterna definición de un vestuario de museo: 194.800 dólares para los 65 vestidos de Cleopatra, entre los que destacó el famoso revestimiento de oro de 24 quilates para el desfile. La irrealidad en los trajes, a cada escena más rocambolescos y recargados, bendijo la belleza de Elizabeth Taylor y la apostura de Rex Harrison —lo que era todo un mérito— y de Richard Burton —que no lo fue tanto—. Denostada por los expertos, la película se contentó con premios técnicos como este vestuario a magnífico technicolor, precedido por los éxitos de “Sansón y Dalila” (Cecil B. DeMille, 1949) y “La túnica sagrada” (Henry Koster, 1953). Desde 1949, año en que se creó la categoría, se habían otorgado dos estatuillas de vestuario: a cintas en color y blanco y negro. En 1958 la subdivisión se eliminaría para recuperarla en 1960 con otra década de vigencia. Leer más »

Si ser presidente de los Estados Unidos supone uno de los trabajos más duros, tampoco es poca la presión de interpretarlo en la gran pantalla. La profesión de presidente siempre ha sido un dulce que el séptimo arte ha enfocado de muy distintas maneras, desde el biopic exaltador al burlesco, pasando por el thriller político o, por qué no, la comedia en toda su variedad. La última película de Ron Howard, “El desafío: Frost contra Nixon” nos vuelve a traer de nuevo uno de los presidentes que más ha frecuentado las salas: Richard Nixon. Frank Langella es el encargado de darle vida, y el último en llegar de una larga lista de actores que se pusieron bajo la piel de alguno de los máximos mandatarios de los Estados Unidos.

El nacimiento de la nación no podía pasar desapercibido para el celuloide y, por tanto, no podía hacerlo George Washington. El primer presidente de los Estados Unidos de América ha sido desempeñado por multitud de nombres y aparecido en comedias como “Wild wild west” (1999), donde tenía el rostro de Jerry Potter, o la inédita en España “An American carol”, en la que Washington corre a cargo de Jon Voight. Incluso actores como Jeff Daniels en el telefilme “The crossing” (2000) se han atrevido con el difícil reto. Otro de los fundacionales, Thomas Jefferson, ha encontrado su reflejo en Peter Coyote (en “Founding fathers” y “Founding brothers”), Nick Nolte (“Jefferson en París: Los amores de un presidente”) o Charlton Heston (“The patriots”). Leer más »

Viene de: “El intercambio” de Clint Eastwood y el peso de la experiencia (primera parte: años 60, 70 y 80)

Los 90 supusieron su consagración definitiva como uno de los realizadores más importantes. “Cazador blanco, corazón negro” adaptaba el libro homónimo que Peter Viertel había escrito con motivo de su colaboración con John Huston en “La Reina de África”. El texto lanzaba una mirada sobre la figura del director de “El tesoro de Sierra Madre” que Eastwood, como proclamado admirador suyo, no dudó en llevar a la pantalla. En “El principiante”, rodada el mismo año, volvería al género de acción co-protagonizando con Charlie Sheen la cinta que precedería a “Sin perdón” (1992), su western de mayor éxito y aquel con el que se ganaría el favor de la Academia con cuatro premios Oscar®.

A partir de entonces, Eastwood ya era un intachable que no haría sino reafirmar su estatus de gran director a cada nueva obra. “Un mundo perfecto” (1993) resultó una emotiva mirada sobre la infancia y los peligros que la envuelven en el mundo de hoy. “Los puentes de Madison” (1995) confirmó la sensibilidad de un artista larga y frontalmente rechazado por sus concesiones a la violencia en la pantalla, ejecutando a la perfección una de las historias de amor más bellas de cuantas prodigó el cine de los 90. “Poder absoluto” (1997) resultó un thriller eficaz aunque menor, que aportaba algunos apuntes interesantes en torno a la corrupción y el abuso de poder. Más profundo resultaba el retrato social de la América sureña de Savannah en “Medianoche en el jardín del bien y del mal” (1997), mientras que “Ejecución inminente” (1999) se revelaba como un alegato contra la pena de muerte elegantemente disfrazado de entretenido suspense. Leer más »

Tras los créditos iniciales de “El tesoro de Sierra Madre”, el primer plano ya contiene toda la economía visual del maestro John Huston. Tenemos un cartel que nos sitúa en el lugar (México D. F.) y el tiempo (14 de febrero de 1925), y nos indica, tras abrirse ligeramente a unas manos que rompen un boleto, la suerte de su protagonista. Así comienza una de las obras más intemporales del cine, una historia que reincidía en una de las temáticas favoritas de su realizador (los grandes perdedores) y que cumplió en el presente año su 60 aniversario.

Cosa es sabida que en “El tesoro de Sierra Madre” se encuentran algunos de los rasgos claves en la definición de Indiana Jones. Sin embargo Fred C. Dobbs (Humphrey Bogart), nuestro protagonista en esta aventura, dista bastante del aura de héroe que envuelve al Doctor Jones. Más bien es un vagabundo, un tipo que busca su suerte sin mucho atino y que deambula por México mendigando y esperando a que esta cambie. Esto sucederá cuando, por caprichos del destino, Cobbs acabe participando en una expedición con el veterano Howard (Walter Huston, padre del director) y su compañero de fátigas, Bob (Tim Holt) en busca del oro escondido en la Sierra Madre. La aventura depara a estos tres hombres no pocos lances en el camino con bandidos o tribus, pero no sospechan (salvo quizá, Howard) que su peor enemigo será ellos mismos. La codicia pronto se hace presa de los buscadores de oro: cuanto más tienen, más quieren. Y pese a los intentos de Howard por que esta vez sea diferente a todas las anteriores e iguales empresas que le llevaron a la ruina, no podrá evitar la fatal suerte que correrán. Leer más »

«El espíritu está pronto, pero la carne es débil» será para siempre la frase más famosa declamada por Max von Sydow –si es que aún no tiene reservada alguna sorpresa–, el actor de origen sueco y familia humilde que retó a la Muerte a una partida de ajedrez en “El séptimo sello” (1957), como usual de Bergman que era –aparte de ésta, rodaron otras doce películas juntos, desde sus éxitos más extendidos como “Fresas salvajes” (1957) o “El manantial de la doncella” (1960) hasta sus piezas más crudas, como “Los comulgantes” (1962)–. Cabría preguntarse si el intérprete posee no el talento ni la disposición espiritual, sino la carne de la que se aquejaba: la elevada estatura, la nariz recta y los ojos duros le imprimen una apariencia de estatua gótica que acaba de cobrar vida en alguna fachada catedralicia. Un físico que le ha ofrecido una ventaja mayúscula a la hora de apropiarse de todos los papeles de carácter omnipotente o imponente. Que fuese Jesucristo en “La historia más grande jamás contada” (1965) lo dice todo.

Su voz cavernosa, representante de los ecos nórdicos que tanto inquietan a los estadounidenses, retumbó contra la meca del cine en cuestión de pocos años. La proyección internacional de la filmografía de Bergman también contribuyó a que George Stevens lo contratase para la superproducción bíblica antes mencionada, de modo que un curtido estudiante de teatro pasó a ser habitual de los platós más selectos en las grandes majors. Aunque la elección de Stevens pudiese resultar descabellada, principalmente por la perpetuación de tópicos visuales en la figura del Mesías, más dificil parece toparse con algún papel en su carrera que no aprovechase su anatomía nórdica. Mantuvo su relación profesional estrecha con Bergman a la espera de alguna oferta sustanciosa, que finalmente se produjo cuando John Huston lo reclutó para “La carta del Kremlin” (1970). La tradición del thriller con soviéticos siempre ha necesitado figuras identificables, encasillamiento del que Sydow se libró al fin en la revolucionaria “El exorcista” (1973). El impacto de su estreno simultáneo en Estados Unidos y la aureola mítica que empezaría a rodear al padre Merrin, un Sydow retado de nuevo por una muerte inhóspita y turbadora, fueron suficiente certificación de que Hollywood, por entonces decadente, necesitaba aires de otros continentes. Leer más »