Reportajes de cine

“Transformers: La venganza de los caídos” es la segunda entrega de un seguro cinematográfico, una saga de blockbusters que de antemano rentabilizan los estratosféricos presupuestos que exigen las muestras del género Michael Bay. Lo más llamativo del fenómeno “Transformers” es la brecha generacional que supone, aquella que separa las superproducciones que prometen hoy seguir reventando taquillas largo tiempo y el origen, la marca forjada desde las jugueterías y la pequeña pantalla en los años 80. Los Transformers invertían el proceso de expansión del merchandising iniciado por sagas como “Star Wars”, naciendo como línea de juguetes de Hasbro que en paralelo disfrutaría de una serie animada y una colección Marvel que perduraría hasta 1991. El salto a la gran pantalla con Bay en 2007 (y amén de la película animada de 1986), demostraba que la franquicia del juguete también es un caramelo para el blockbuster veraniego, afirmación que se refrenda en la presente temporada estival con los estrenos de la mencionada segunda parte de “Transformers” y la live-action de “G.I. Joe”. Excusa más que válida para un repaso rápido a algunas películas que hicieron de los juguetes su fuente de adaptación o sus verdaderos protagonistas.

Transformers: Además de las mencionadas series que iniciaron la fiebre, la franquicia nunca ha dejado de derivar en evoluciones varias que han permitido generaciones de Transformers y hasta cross-overs con G.I. Joe (en cómic). Los muñecos articulados de Hasbro, desde el relanzamiento en 1992 de la línea con la Generación 2, también se han visto obligados a reinventarse, con líneas como la Beast Machines (1996-2001), también acompañada de su correspondiente serie televisiva entre 1999 y 2001. Varias líneas y series después, en 2007 y tras una precuela en forma de cómic, llegó la versión cinematográfica. En su adaptación, Michael Bay retomó a su manera la saga de los Witwicky, aliados de los Autobots ya presentes en los cómics Marvel y la serie animada. Leer más »

Uno es adulto, va sobre aviso y aunque no haya leído demasiado sobre la película en cuestión puede hacerse una idea acerca de por dónde irán los tiros. Entonces entra en la sala un padre o una madre, o los dos, lo cual tiene más delito, con sus retoños balbuceantes en una mano y los asientos elevadores en la otra, contentos por compartir una tarde familiar con una aparentemente cinta infantil, y la incomodidad se va adueñando de la escena, uno debe frenar el impulso de tocarles el hombro y recomendarles que cambien de sala, que se van a enfadar porque no todos los relatos camuflan las amenazas como Pixar. Seguramente al nene le guste, pero sus sobreprotectores progenitores terminarán escandalizados sin motivo: en España se hace caso omiso de las clasificaciones por edad y, en contra del sistema norteamericano, suele ser fácil colar a un niño en una slasher brutal.

Pero éste no es el caso, no hay malicia en la elección y sí un poco de desinformación o de frustrante factor sorpresa. El colorista cartel español de la excepcional “Los mundos de Coraline” (2009) puede conducir a error de quienes recuerden al Henry Selick musical unido al más benévolo Roald Dahl en “James y el melocotón gigante” (1996), y se equivocarán aún más si se aferran a Tim Burton y su generosa esperanza disfrazada con trajes sombríos. Al lado de “Coraline”, “Stardust” (Matthew Vaughn, 2007), otra película basada en una novela de Neil Gaiman, es un cuento blando para preescolares, un estallido de hadas y brujas hermosas en oposición a la decadencia de la realidad de Coraline y la sensación de peligro que recorre el mundo descubierto tras una diminuta puerta y un túnel. Si usted nunca le leería a sus hijos un capítulo de Lewis Carroll, si cree que el susto, el abandono, las tormentas, las heridas y los objetos punzantes deben desterrarse de su imaginario, entonces tome nota de las trampas que habitan en su videoteca. Leer más »

Es la nueva estrategia de las productoras para celebrar preestrenos con alfombras rojas y el motivo de que el gremio de dobladores profesionales se esté rasgando las vestiduras. “Monstruos contra alienígenas” (Rob Letterman y Conrad Vernon, 2009) ha sido la última en abducir a Reese Witherspoon, Hugh Laurie, Seth Rogen, Paul Rudd y Kiefer Sutherland. Pocas películas de animación tendrán un póster promocional sin nombres de celebrities impresos a gran escala, prácticamente eclipsando el contenido cinematográfico y los personajes que protagonizan la acción, a menos que el milagro digital les haya dotado de los mismos rasgos faciales que quienes les prestan voz. Mientras que ahora muchos de los dibus carecerían de significado popular sin su referente de carne y hueso, antaño algunos intérpretes debían esconderse en la animación bidimensional para rascar algún sueldo extra. Un fenómeno que Hollywood ha exportado en un abrir y cerrar de ojos al famoseo de cualquier país, con todas las ventajas y desventajas de la globalización: no todas las estrellas pueden garantizar un nivel de calidad óptimo con sus aptitudes de doblaje.

La precisión de los actores estadounidenses al abordar estas tareas ha sido demostrada con creces desde el nacimiento de la moda, durante el regreso a principios de los noventa de las citas anuales con Disney. La explicación no deja en ridículo las cuerdas vocales de otras nacionalidades, sino que parte de una premisa básica: las producciones se amoldan desde su gestación a las necesidades del país de origen, de tal modo que un trabajo intenso y paciente con los actores desde el proceso de bocetado de los personajes asegura una correspondencia fluida entre dibujos animados e intérpretes reales. Los grandes estudios piensan con toda lógica en su mercado principal, el patrio, dejando en manos de la providencia y de unos distribuidores con más o menos ganas de llenar el bolsillo o respetar el producto lo que se haga fuera de las fronteras. Y esa aparente despreocupación parece deberse a un aprendizaje de campo antes que a una verdadera actitud negativa: nefasto fue el exceso de control que Kubrick impuso sobre los doblajes internacionales de “El resplandor” (1980) —Verónica Forqué gritando aquello de «¡Jack, Jack!»— o, de regreso al ámbito animado, las versiones que Phil Collins hizo de las canciones de “Tarzán” (Chris Buck y Kevin Lima, 1999) en castellano, francés, alemán e italiano, guiándose únicamente por imitación fonética. Leer más »

No, no se ha ido al otro mundo: Richard Jenkins ahora mismo estará respirando a salvo en su casa de Rhode Island, pero un gran número de telespectadores pondrán rostro al protagonista de “The visitor” (Tom McCarthy, 2007) gracias a “A dos metros bajo tierra” (2001-2005), la serie creada por Alan Ball en la que el patriarca de la familia Fisher salía con los pies por delante en el primer episodio. Durante el acto de entrega de la estatuilla al Mejor Actor en la pasada edición de los Oscar®, los más despistados se preguntaban quién era aquel hombrecillo sentado entre los rutilantes Brad Pitt, Sean Penn, Mickey Rourke y Frank Langella, mientras Adrien Brody le dedicaba un discurso generoso en alabanzas y respeto. La respuesta era contundente: un actor que con 61 años recibe su primera nominación al Oscar® por un papel al que le han seguido otros cuatro estrenos, epítome del esfuerzo de Jenkins por convertirse en un brillante desapercibido.

Al igual que su colega nominado Langella, Richard Jenkins comenzó su carrera sobre las tablas, en el Trinity Repertory Company de Rhode Island, donde desempeñó tanto tareas de actor como de producción y dirección artística. La gracia de curtirse previamente en el teatro permite a cualquier intérprete, al menos a priori, aguantar con estoicismo los primeros y pobres papeles cinematográficos que le caigan en suerte. De piezas clásicas de Shakespeare o Steinbeck a  la butaca del Kodak Theatre, pasando por cara recurrente de los hermanos Farrelly, se vislumbra una curva de gran interés que realza el eclecticismo de nuestros tiempos, cuando “un actor especializado en” ya prácticamente ha dejado de existir ante la caprichosa demanda de la industria. De ahí que Jenkins demostrase su habilidad al aceptar una comedia de apariencia liviana como “Silverado” (Lawrence Kasdan, 1985), y de aquel entretenido western dar el salto a a una de las obras de Woody Allen más aplaudidas, “Hannah y sus hermanas” (1986). Leer más »

Aunque para muchos Edward Norton es una de esas caras que parece acompañarles en su memoria cinéfila prácticamente desde que tienen uso de razón de la misma, lo cierto es que debutó en esto del cine hace poco más de una década. Eso sí, desde entonces, este joven actor, nacido en Boston en 1969, no ha dejado de crecer a cada película como uno de los más grandes intérpretes del cine actual. Decidido a seguir ocupando ese lugar, estrena ahora “Cuestión de honor”, en la que interpreta a un detective en una encrucijada: ser fiel al Departamento de Policía o a su familia, de la cual su hermano y su cuñado, también policías, se han visto presuntamente envueltos en una trama de asesinato.

Pocos debutantes tuvieron tan celebrado estreno: “Las dos caras de la verdad” descubrió al mundo la apabullante capacidad camaleónica de Norton, valedora de un Globo de Oro y su primera nominación al Oscar®. Desde entonces, en sus algo más de veinte títulos, ha tenido tiempo de esculpir su nombre entre los mejores de la industria, trabajando con algunos de los realizadores más respetados y desafiando con sus indiscutibles dotes interpretativas a grandes figuras con las que compartía pantalla. Tras el abrumador éxito de “Las dos caras de la verdad”, trabajó a las órdenes del checo Milos Forman, para quien fue el abogado de Larry Flint en “El escándalo de Larry Flint”. Por si fuera poco, el mismo año Woody Allen le hizo cantar en “Todos dicen I love you”, consiguiendo en tan solo tres incursiones trabajar con dos de los cineastas vivos más importantes. En 1998 John Dahl le dirige en “Rounders”, donde es un experto jugador (y tramposo) de póquer que forma pareja con Matt Damon. Sin embargo, son sus dos siguientes papeles los que rápidamente le libran del apelativo de joven promesa para erigirle como gran actor: en “American History X” ofrece una de sus más logradas interpretaciones encarnando a Derek, un joven que intenta huir de su pasado nazi tras salir de la cárcel; en “El club de la lucha”, David Fincher le regala a Jack, uno de los personajes más emblemáticos de los 90. Por el primero, Norton recibió su segunda nominación a la preciada estatuilla de la Academia; por el segundo, su rostro se convirtió en el representante de uno de los filmes más revolucionarios y controvertidos de los últimos tiempos. Leer más »