Reportajes de cine

Hace ya unos meses, y a propósito del estreno de la decepcionante “The Spirit”, dábamos un rápido repaso a la relación, cada vez más estrecha, entre cine y cómic. Por entonces ya señalábamos a los superhéroes Marvel como fuente primordial de adaptaciones, tendencia particularmente dada en la última década que parece encaminarse hacia una incidencia incluso mayor en los próximos años. Tal es así que la archiconocida editorial constituyó recientemente Marvel Studios, manteniéndose así más cerca de la explotación de sus figuras en la pantalla a partir de “El increíble Hulk” e “Iron Man”. “X-Men orígenes: Lobezno” es, obviamente, consecuencia directa del éxito de la saga X-Men, un spin-off que abre la veda en una nueva modalidad del producto, prometiendo larga vida a la franquicia. Mientras, se preparan los proyectos para Los Vengadores y el Capitán América, las secuelas para Iron Man o Spider-Man, la película de Thor… el universo Marvel podría estar a las puertas de una era dorada en la pantalla, en la que los venideros títulos formarán un tejido de interrelaciones retroalimentativas entre ellos. Un momento idóneo, por cierto, para pasar lista a los personajes Marvel que ya debutaron en celuloide.

Los 4 Fantásticos. Los hermanos Storm, Reed Richards y Ben Grimm ya fueron víctimas de la serie B en 1994. Cuando Tim Story pretendió una producción a la altura de los fantásticos en 2005, su vocación comercial marcó una cinta que recibió las iras de buena parte de los fans y la crítica (Roger Ebert la incluyó en su libro “Las peores películas de la historia”). Su secuela, “Los 4 Fantásticos y Silver Surfer” supuso una ligerísima mejora respecto a su predecesora, sin que esto impidiera olvidarla al instante. Leer más »

Aunque para muchos Edward Norton es una de esas caras que parece acompañarles en su memoria cinéfila prácticamente desde que tienen uso de razón de la misma, lo cierto es que debutó en esto del cine hace poco más de una década. Eso sí, desde entonces, este joven actor, nacido en Boston en 1969, no ha dejado de crecer a cada película como uno de los más grandes intérpretes del cine actual. Decidido a seguir ocupando ese lugar, estrena ahora “Cuestión de honor”, en la que interpreta a un detective en una encrucijada: ser fiel al Departamento de Policía o a su familia, de la cual su hermano y su cuñado, también policías, se han visto presuntamente envueltos en una trama de asesinato.

Pocos debutantes tuvieron tan celebrado estreno: “Las dos caras de la verdad” descubrió al mundo la apabullante capacidad camaleónica de Norton, valedora de un Globo de Oro y su primera nominación al Oscar®. Desde entonces, en sus algo más de veinte títulos, ha tenido tiempo de esculpir su nombre entre los mejores de la industria, trabajando con algunos de los realizadores más respetados y desafiando con sus indiscutibles dotes interpretativas a grandes figuras con las que compartía pantalla. Tras el abrumador éxito de “Las dos caras de la verdad”, trabajó a las órdenes del checo Milos Forman, para quien fue el abogado de Larry Flint en “El escándalo de Larry Flint”. Por si fuera poco, el mismo año Woody Allen le hizo cantar en “Todos dicen I love you”, consiguiendo en tan solo tres incursiones trabajar con dos de los cineastas vivos más importantes. En 1998 John Dahl le dirige en “Rounders”, donde es un experto jugador (y tramposo) de póquer que forma pareja con Matt Damon. Sin embargo, son sus dos siguientes papeles los que rápidamente le libran del apelativo de joven promesa para erigirle como gran actor: en “American History X” ofrece una de sus más logradas interpretaciones encarnando a Derek, un joven que intenta huir de su pasado nazi tras salir de la cárcel; en “El club de la lucha”, David Fincher le regala a Jack, uno de los personajes más emblemáticos de los 90. Por el primero, Norton recibió su segunda nominación a la preciada estatuilla de la Academia; por el segundo, su rostro se convirtió en el representante de uno de los filmes más revolucionarios y controvertidos de los últimos tiempos. Leer más »

Aunque la afirmación de que el cine es el arte más completo por contener todos los demás artes es harto arriesgada, parece menos discutible que, a través del cine, se han logrado increíbles simbiosis con diversas disciplinas. Si el cómic es el noveno arte, el séptimo le ha hecho flacos y benditos favores, pero sin duda ha conseguido acercarse a él en su reproducción de estéticas imposibles e historias irrealizables.

La adaptación del cómic a la pantalla no es nueva, pero disfruta de una cosecha particularmente prolífica en los últimos años. Ya no se trata sólo de revisiones de los estandartes de la DC Comics, Superman y Batman, pues mucho ha llovido desde aquellos años en los que el cómic era relegado a un entretenimiento menor y poco a tener en cuenta como fuente de inspiración. Los 80 fue una década clave para un asentamiento de prestigio que llegó con nombres como Alan Moore o Frank Miller. Ambos contribuyeron a hacer de 1986 una de las fechas más importantes para la novela gráfica, con dos referentes que, algo más de dos décadas después, iban a cambiar el cine de superhéroes: en aquel año confluirían “Watchmen” (obra del primero, junto con Dave Gibbons) y “The Dark Knight returns” (obra del segundo, traducido al español como “El regreso del Señor de la Noche” o “El regreso del Caballero Oscuro”). Ambos formaron parte del llamado ‘espíritu del 86′ y ambos han dado con monumentales equivalentes en la pantalla a manos de Zack Snyder y Christopher Nolan. Así que tras comprobar cómo “El Caballero Oscuro” se ha convertido en uno de los filmes de superhéroes más importantes del celuloide, y a la expectativa de la cinta que adaptará la revolucionaria novela gráfica de Moore y Gibbons, parece que estamos en un momento decisivo para encumbrar o tirar por tierra algunas de las obras capitales del noveno arte. Leer más »

La mayoría de las mutaciones superheroicas comienzan en un laboratorio, profesional o improvisado —véase el reciente “Iron Man” (2008)—, próximas a algún desliz físico o químico que rompa la frontera de lo humano. A pesar de que el doctor Bruce Banner recibe por error la radiación que le otorga el don/mal de Hulk, la ambición premeditada de los científicos que pretenden aislar porciones vitales en sus sótanos data del Doctor Jekyll ideado por Robert Louis Stevenson en su novela homónima —opuesto al otro argumento clásico que vincula al científico con la creación de una personalidad externa, como Frankenstein—. El motivo de la persona desdoblada en dos compartimentos desconocidos entre sí —al menos por una de las dos partes, pues la buena, Jekyll o Bruce Banner, sí conocen la existencia de la mala y hacen lo posible por luchar contra ella— ha alimentado gran parte de la narrativa literaria y cinematográfica de terror, fundamentada en la esencia misma de que hay sombras de nosotros mismos que nunca podremos llegar a conocer o controlar por completo.

Las variaciones son infinitas, pero la semilla siempre crece desde el mismo abono: un hombre de ciencia que confía en los procedimientos racionales para analizar lo insondable, el problema matemático más complejo nunca resuelto: cuál es la ecuación que mide la bondad y la maldad contenida en cada individuo. Aunque hay otros magníficos y complejos ejemplos de la psicosis (auto)inducida en la literatura —Edgar Allan Poe en el relato “William Wilson”, Dostoievski en “El doble”, Oscar Wilde en “El retrato de Dorian Gray”, Chamisso en “El hombre que perdió su sombra” o Hoffman en “El hombre de arena”—, han sido los personajes de Stevenson quienes han protagonizado un mayor número de adaptaciones o desviaciones en la gran pantalla. Leer más »

A pocos superhéroes asociamos unos rasgos inconfundibles, bien por su vida oculta tras una máscara, bien por la deformación de las herramientas digitales, o bien por la simple estratagema de asegurar la vigencia de una saga en el tiempo, sin importar los cambios que sufra el actor encargado de regurgitar las frases implacables del cómic. ¿Qué fue antes: el disfraz o la serialidad? Y la paradoja se vuelve aún más extensible si tenemos en cuenta las variaciones estéticas de esos mismos diseños externos y, en apariencia, llamados a hacer perdurar la imagen, el concepto, de cara al público. Nada tiene que ver el Batman de traje maleable de los ochenta con las corazas plásticas de las últimas superproducciones, aunque el orden cronológico de la intrahistoria sea inverso al real, como tampoco se parecen un ápice el Hulk de látex y spray verde, cuando por estos lares se le conocía como La Masa, y la mole reluciente que ahora inserta un ordenador en un espacio del decorado, donde sólo se clava la atenta mirada de Edward Norton, último Bruce Banner.

El proceso de transformación de años ha se inspiraba directamente en los procedimientos del cómic: Stan Lee y Jack Kirby idearon para la Marvel en 1962 a un científico que, afectado por la radiación gamma de su propia bomba, adquiría el limitado y dudoso poder de convertirse en un gigante verde y cabreado cuando su nivel de ira se elevaba lo suficiente. El doctor Robert Bruce Banner y el monstruo moldean sus formas a partir de una misma persona, humana y frágil en ambos casos–la estructura de roca también tiene sus puntos débiles–, superdotada y estúpida para cada uno. El reto de los actores consistía en experimentar los mismos caminos que el protagonista, del retrato ambicioso y paso a paso deteriorado del doctor hasta la rabia concentrada apenas en unos límites físicos, y de vuelta en sentido inverso. La dificultad de que una película, rodada mediante métodos artesanales, pudiese respetar el principio de héroe dual del cómic hizo que las primeras adaptaciones recayesen en el mundo de la animación –“Hulk” (1966)– o, con previsibles resultados, en los productos televisivos que representan menos riesgo para los inversores que un lanzamiento masivo –sin segundas– en la gran pantalla. Leer más »