Reportajes de cine

El miedo a la mecanización, a la homogeneización social que dibuja la más cruel distopía, a la sumisión ante la voluntad de aquello que no entiende de tal cosa, la pesadilla industrial que atormenta al hombre desde los albores del siglo pasado. La tecnofobia no es una noción dada por el cine, pero sí plenamente aprovechada por el mismo a lo largo de su historia y sus géneros. Esta surge, fundamentalmente, como respuesta a la pérdida progresiva de libertad, reacción necesaria ante la humanidad amenazada por un orden mecanizado. Con la revolución industrial nace el primer contexto perfecto para escenificar los miedos y la impotencia, y el expresionismo alemán construye su propia “Metrópolis” (Fritz Lang, 1927). Joh Fredersen (Alfred Abel) trata de liberar a la clase trabajadora de Metrópolis y la proclama del triunfo se revela plenamente humanista: «el mediador entre el cerebro y la mano ha de ser el corazón». Sentencia que, por cierto, le gustaba bien poco a Lang.

“Tiempos modernos” (Charles Chaplin, 1936) supone la iconización definitiva de esa pesadilla industrial. Chaplin no puede dejar de apretar tornillos y acaba protagonizando el delirio entre los gigantescos engranajes de la cadena de montaje. “Tiempos modernos” está tan llena de comedia como de ansiedad, fíjense si no en la máquina experimental que pretende dar de comer al trabajador mientras cumple su turno, probada con descacharrantes (y angustiosas) consecuencias en nuestro protagonista. David Lynch va más allá en “Cabeza borradora” (1977), y convierte la opresión del entorno industrial en una banda sonora de ruidos de fábrica, desquiciantes sonidos que aplastan, conducen al hundimiento psicológico de Henry Spencer (Jack Nance) en su diminuto apartamento. Sin embargo, la consumación del terror tecnofóbico venciendo al individuo bien la podríamos encontrar en “Tetsuo, el hombre de hierro” (Shinya Tsukamoto, 1989), en la que el metal pervierte la carne en un festín de chatarra y cuerpo en agónica transformación, transgresión de los límites físicos hasta el óxido, body horror extremo que nada envidia al mejor David Cronenberg. Leer más »

Las declaraciones recientes de Viggo Mortensen han disparado rumores sobre la posibilidad de que, en pleno alarde de su madurez interpretativa, pudiera abandonar los sets de rodaje. En cualquier caso, el estreno de su última película es motivo suficiente para un repaso justificado a una carrera siempre interesante, incluso antes de entrar en la Comunidad del Anillo. En “Good”, Mortensen es John Halder, profesor de literatura en la Alemania de los 30 que escribe una novela defensora de la eutanasia. Su publicación lleva a varios políticos a utilizarla como elemento de apoyo a la propaganda gubernamental y a Halder, a más de un brete en el auge del nacionalismo alemán.

Pero antes de escritor en tiempos revueltos, Viggo Mortensen ha dibujado una trayectoria quizá más larga de lo que muchos imaginan. Fue en 1984 su debut en televisión, interpretando a un teniente en la mini-serie “George Washington”. Sin embargo, más allá de episodios esporádicos para series varias (“Corrupción en Miami” inclusive), rápidamente demostró su predilección por el cine, en el que debutó con “Único testigo” (1985). A la película de Peter Weir le siguieron “Prison” (1988), para Renny Harlin, o la tercera entrega de la saga “La matanza de Texas” (1990). También el debut de Sean Penn tras la cámara, “Extraño vínculo de sangre” (1991), o la cinta de acción “Boiling point” (1993). Leer más »

Clive Owen se embolsa la audiencia acumulada de “Duplicity” (Tony Gilroy, 2009) mientras su compañera en “The international: Dinero en la sombra” (Tom Tykwer, 2008) atrae a más de un despistado en las enrevesadas tramas de conspiraciones que vienen maquinándose desde hace años en los sótanos y los despachos más luminosos de grandes bancos. Naomi Watts ha conseguido en una década lo que estuvo peleándose durante otro par de lustros bien largos: el inestimable honor de escoger los papeles que más le interesan sin perder la categoría de actriz bienamada por público y crítica. Al igual que dos de los personajes cumbre de su carrera, una intérprete venida de lejos, en términos geográficos y vitales, que ha encontrado un hueco en Hollywood para sus inquebrantables valores y su dorada madurez.

«Sería como en las películas. Fingir ser otra persona.» (Betty en “Mulholland drive”) Inglesa de nacimiento y adolescencia en Australia, país donde apenas destacan sus dotes para la actuación. Otra rubia pálida, bajita y huesuda que no rompe el prototipo de las escenas australes, a pesar de que en ellas coincide con emergentes estrellas como Nicole Kidman —en “La primera experiencia” (John Duigan, 1991), aunque ya se habían conocido en una audición para un spot de bikinis—, Russell Crowe —en la mini serie “Brides of Christ” (Ken Cameron, 1991)— o Hugo Weaving —en “For love alone” (Stephen Wallace, 1986)—. Después de la adaptación de un cómic de culto, “Tank girl” (Rachel Talalay, 1995), pequeños papeles televisivos, anuncios publicitarios y dramones abocados al olvido, Naomi imita a su amiga Nicole y se traslada a Los Ángeles con la esperanza de rozar esa “Fama” con la que había soñado desde un pase de la película de Alan Parker. Leer más »

«¡No queremos pruebas, no pedimos a nadie que nos crea!», exclamaba Jonathan Harker, el sufrido esposo de Mina y eterno rival amoroso del conde Drácula, al término de la novela de Bram Stoker. La esencia de las paradojas existenciales —y ficcionales— del vampiro están contenidas en ese finiquito literario que, a su vez, supuso el comienzo de una mitología renovada que con perspicaz tino cambió las armas tradicionales del terror por otras adecuadas a un tiempo próximo a extinguirse. A costa de su cercanía dolorosa, y cada vez más plausible, al ser humano, la figura del vampiro ha sido la mayor sufriente de evoluciones precipitadas y virajes bruscos provocados por la cabezonería de autores y productores, a quienes nunca se les ocurriría deponer las estacas en la caza de una criatura tan rentable para las arcas editoriales y cinematográficas. Diferentes como la noche y la mañana, habitantes de una o de otra, las inquietantes sombras que anhelan elixir vital han coleccionado los epítetos de chupasangre, no-humano y no-muerto hasta que el siglo XXI alumbró el amanecer —o eso quisiera Stephenie Meyer, pues sería más juicioso pensar en un ocaso— del vampiro amigable, icono apolíneo de una sociedad que se cree libre de ataduras sexuales.

El cineasta sueco Tomas Alfredson, que en su filmografía no posee ni un mínimo rastro de pelambre fantasiosa, se aproxima a la leyenda como mejor sabe: en clave realista e imitando las solfas imaginativas del escritor John Ajvide Lindqvist en su novela “Déjame entrar”. Pero entre el éxito sleeper de la película se entrevé una pervivencia necesaria, para el espectador y para ese explicable triunfo, de rasgos identificativos del vampiro, como un rastro de migas dispuesto con apariencia descuidada en esa maraña y maleza del cine de terror que hoy, si emerge una criatura pálida y de pupilas inyectadas, ya no lo es tanto. ¿Es la nueva sangre que desde la ficción se inyecta al vampiro causa de su resurrección o de una muerte paulatina? Veamos si las transfusiones de urgencia practicadas a lo largo de la historia vampírica han salvado al hombre del abrazo de la muerte y han hecho del vampiro un exótico murciélago de peluche. Leer más »

La Tierra es invadida por alienígenas, una vez más. La fórmula de las invasiones por seres de otros mundos tiene un atractivo inagotable para el cine, y “Monstruos contra alienígenas” llega para corroborarlo en el campo de la animación tridimensional, abriendo así la veda en un subgénero (el de las invasiones alienígenas) que ofrece infinidad de posibilidades. Así, Dreamworks enfrenta a una generación de variopintos monstruos contra los siempre temidos visitantes, en esta ocasión encabezados por un  gigantesco armatoste de un solo ojo. Y es que, ante la frecuencia con la que la Tierra ha sido visitada en el cine, conviene tener en cuenta los diferentes tipos de invasiones propuestas en el mismo.

El extraterrestre amistoso: Escasean en la gran pantalla aquellos que llegan a la Tierra sin afán de destruirla, colonizarla y demás aviesas intenciones. Pero “E.T., el extraterrestre” (Steven Spielberg, 1982), mejoró la reputación de los extraterrestres cinematográficos y demostró que un visitante de otro mundo también podía ser el mejor amigo de un solitario niño terrestre. El televisivo “Alf”, incluso podía integrarse en la familia media americana sin mayores problemas. Siempre, claro está, que no hubieran gatos de por medio… Leer más »