Reportajes de cine

Su vinculación con Alfred Hitchcock es nula, pero sustrajo de su filmografía el título de “Notorious” para recalcar una condición de estrella que finalmente recibe el epitafio de los más grandes: un biopic hecho por y para fans, con invitación extensible a no iniciados. The Notorious B.I.G. (Jamal Woolard) recicló su pasado callejero y su afición por las drogas en un álbum de gangsta rap que vio la luz en 1994, tres años antes de que fuese acribillado a balazos por un detractor aún hoy desconocido. Su segundo disco póstumo avivó la leyenda de uno de los más importantes impulsores del rap en la Costa Este y las neuronas olfativas de productores con una imagen en el horizonte: hileras de devotos pasando por caja para deleitarse en pantalla grande con esos conciertos a los que ya nunca podrán asistir. Y después, pasar también por la caja del centro comercial con un ejemplar de la banda sonora. Así es la vida —en ciertos casos, la definitiva muerte comercial— de los reyes musicales dentro del cine.

Los reyes del blues: The Blues Brothers en “Granujas a todo ritmo” (John Landis, 1980). Una fake band nacida en la preciada e inagotable cantera del Saturday Night Live con el privilegio de que toda una generación la rememore como un imprescindible icono musical de los últimos setenta. Dan Aykroyd y John Belusi hicieron del traje negro y las gafas de sol una segunda piel antes que un arrebato de fashion victim, adelantándose a reservoir dogs varios, para montar los sketches de los hermanos Elwood y Jake. En 1978 llevaron de los platós a las listas de éxitos su primer disco, “Briefcase full of blues”, un apetitoso compilatorio que tuvo su consecuencia natural en el film de Landis, mezcla de buena música, divertimento y participaciones de altura, como las de Ray Charles, Aretha Franklin y James Brown. Casi veinte años después, en amago mosquetero, la banda volvió a reunirse en “El ritmo continúa” (1998), aunque ni ellos ni el director repitieron inspiración.
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La lista de actores que consiguió completar Richard Curtis para su nueva comedia —tras su debut en la dirección con “Love actually” (2003)— rivaliza en resonancia con los éxitos que pinchan Philip Seymour Hoffman, Bill Nighy o Nick Frost, a bordo de su “Radio encubierta”, trasliteración al castellano que respeta el juego de palabras implícito en el original, “The boat that rocked”. The Kinks, David Bowie, The Who, Jimi Hendrix, Cream, Otis Redding, The Turtles, Cat Stevens o The Supremes son el contenido y no la excusa de un tema tan atractivo como las emisoras pirata que en los sesenta amenazaron el orden del espectro radiofónico administrado por el gobierno, que tiene en Kenneth Branagh a su representante cinematográfico. Ya hemos comprobado los esperpénticos usos de la radio en el cine, desde contactar con muertos (“Frequency”, Gregory Hoblit 2000) hasta reabrir el debate extraterrestre (“Contact”, Robert Zemeckis 1997), pero suele restársele importancia a su misión primigenia: amenizar con sus clásicos nuestro día a día.

Orson Welles en “Días de radio” (Woody Allen, 1987): Justo antes de que el valle bergmaniano hundiese durante más tiempo de lo habitual el fervor que muchos seguidores sentían por el director neoyorquino, esta deliciosa película homenajeó aquel tiempo en el que el jazz nutría los espacios musicales —imperio que pretenden sabotear los pinchadiscos de Richard Curtis— y cuya vida doméstica rotaba sobre el eje de la enorme y pesada radio de válvulas. Al igual que la escritora Betty Smith, quien hizo de “Un árbol crece en Brooklyn” el retrato idealizado de una infancia neoyorquina en los años veinte, Woody Allen fantasea con su propia niñez en la época de Pearl Harbour y de las falsas alarmas de invasión marciana que teatralizó Orson Welles con su compañía radiofónica The Mercury Theatre on the Air, para terror de las masas y divertido sketch sobre una cita frustrada en mitad de la niebla. Leer más »

No, no se ha ido al otro mundo: Richard Jenkins ahora mismo estará respirando a salvo en su casa de Rhode Island, pero un gran número de telespectadores pondrán rostro al protagonista de “The visitor” (Tom McCarthy, 2007) gracias a “A dos metros bajo tierra” (2001-2005), la serie creada por Alan Ball en la que el patriarca de la familia Fisher salía con los pies por delante en el primer episodio. Durante el acto de entrega de la estatuilla al Mejor Actor en la pasada edición de los Oscar®, los más despistados se preguntaban quién era aquel hombrecillo sentado entre los rutilantes Brad Pitt, Sean Penn, Mickey Rourke y Frank Langella, mientras Adrien Brody le dedicaba un discurso generoso en alabanzas y respeto. La respuesta era contundente: un actor que con 61 años recibe su primera nominación al Oscar® por un papel al que le han seguido otros cuatro estrenos, epítome del esfuerzo de Jenkins por convertirse en un brillante desapercibido.

Al igual que su colega nominado Langella, Richard Jenkins comenzó su carrera sobre las tablas, en el Trinity Repertory Company de Rhode Island, donde desempeñó tanto tareas de actor como de producción y dirección artística. La gracia de curtirse previamente en el teatro permite a cualquier intérprete, al menos a priori, aguantar con estoicismo los primeros y pobres papeles cinematográficos que le caigan en suerte. De piezas clásicas de Shakespeare o Steinbeck a  la butaca del Kodak Theatre, pasando por cara recurrente de los hermanos Farrelly, se vislumbra una curva de gran interés que realza el eclecticismo de nuestros tiempos, cuando “un actor especializado en” ya prácticamente ha dejado de existir ante la caprichosa demanda de la industria. De ahí que Jenkins demostrase su habilidad al aceptar una comedia de apariencia liviana como “Silverado” (Lawrence Kasdan, 1985), y de aquel entretenido western dar el salto a a una de las obras de Woody Allen más aplaudidas, “Hannah y sus hermanas” (1986). Leer más »

Si una vez hablamos aquí de Clint Eastwood y del peso de la experiencia, las máximas de la veteranía podríamos aplicarlas igualmente con Morgan Freeman. El actor, a día de hoy, se sigue mostrando incombustible y frecuentando las pantallas con una asiduidad de la que pocos intérpretes pueden presumir. Sin ir más lejos, en el último año le hemos visto volver a su papel de Lucius Fox en “El Caballero Oscuro” y ser el jefe de la Hermandad en “Wanted (Se busca)”. Ahora nos llega “The code”, en la que Freeman hace las veces de ladrón de la vieja escuela que se aliará con Antonio Banderas para dar el gran golpe.

Este actor nacido en Memphis en 1937 comenzó su andadura como intérprete en los teatros neoyorquinos durante los 60. No sería hasta los 70 cuando Morgan Freeman diera el salto a la televisión y el cine, salto que en ambos casos se produjo en 1971: en la pequeña pantalla, lo haría con la serie infantil “The electric company”, donde permaneció durante seis temporadas; en la grande, su debut acreditado vendría con “Who says I can’t ride a rainbow!”. Sin embargo, el medio predilecto de Freeman durante los 70 iba a ser la televisión, y su verdadera llegada al cine se pospondría hasta la década siguiente. Leer más »

Dicen que Walt Kowalski, protagonista de “Gran Torino”, es aquello en lo que Harry Callahan podría haberse convertido con el paso de los años. Imaginen a un Harry ‘el sucio’ retirado, de un humor agraviado con los años de jubilación. Harry, o Walt, vive hoy entre un montón de caras extrañas, entre vecinos de ojos rasgados y pandilleros que no le hacen ni pizca de gracia. No hace falta decir que estamos ante un hombre chapado a la antigua y anclado a su sentido de la patria y sus recuerdos, bien simbolizados en su Gran Torino del 72. Y si en él han hecho mella los achaques de la edad, la resignación y la disconformidad con todo lo que le rodea, permanece intacto su sentido de la justicia. Para él, los buenos siguen siendo los buenos y los malos, los malos. Por eso, cuando el Gran Torino o la seguridad de los primeros se ven amenazados, es excusa suficiente para hacerle levantar de su porche y volver a la acción.

Si hay tópicos o arquetipos que acaban imponiéndose en la visión cultural que la audiencia tiene de un actor, Clint Eastwood ha sido demarcado, a lo largo de las décadas, con la imagen de tipo duro con pocas concesiones. Sin embargo, de su trayectoria como intérprete a su recorrido como director, Eastwood se ha encargado de revisar a sus más emblemáticos personajes para ofrecer nuevas lecturas y plantear evoluciones que desafiaban a las rígidas coordenadas en las que se ubicaba sistemáticamente no al Eastwood que veíamos en la pantalla, sino a la figura en sí misma. Y eso que hablamos de uno de los intérpretes cuyas encarnaciones se prodigan a menudo entre la mitología más selecta del séptimo arte, los favoritos de la memoria cinéfila a los que remitimos excitados cuando las palabras spaghetti western y otras salen a la palestra. Leer más »