Reportajes de cine

La lista de actores que consiguió completar Richard Curtis para su nueva comedia —tras su debut en la dirección con “Love actually” (2003)— rivaliza en resonancia con los éxitos que pinchan Philip Seymour Hoffman, Bill Nighy o Nick Frost, a bordo de su “Radio encubierta”, trasliteración al castellano que respeta el juego de palabras implícito en el original, “The boat that rocked”. The Kinks, David Bowie, The Who, Jimi Hendrix, Cream, Otis Redding, The Turtles, Cat Stevens o The Supremes son el contenido y no la excusa de un tema tan atractivo como las emisoras pirata que en los sesenta amenazaron el orden del espectro radiofónico administrado por el gobierno, que tiene en Kenneth Branagh a su representante cinematográfico. Ya hemos comprobado los esperpénticos usos de la radio en el cine, desde contactar con muertos (“Frequency”, Gregory Hoblit 2000) hasta reabrir el debate extraterrestre (“Contact”, Robert Zemeckis 1997), pero suele restársele importancia a su misión primigenia: amenizar con sus clásicos nuestro día a día.

Orson Welles en “Días de radio” (Woody Allen, 1987): Justo antes de que el valle bergmaniano hundiese durante más tiempo de lo habitual el fervor que muchos seguidores sentían por el director neoyorquino, esta deliciosa película homenajeó aquel tiempo en el que el jazz nutría los espacios musicales —imperio que pretenden sabotear los pinchadiscos de Richard Curtis— y cuya vida doméstica rotaba sobre el eje de la enorme y pesada radio de válvulas. Al igual que la escritora Betty Smith, quien hizo de “Un árbol crece en Brooklyn” el retrato idealizado de una infancia neoyorquina en los años veinte, Woody Allen fantasea con su propia niñez en la época de Pearl Harbour y de las falsas alarmas de invasión marciana que teatralizó Orson Welles con su compañía radiofónica The Mercury Theatre on the Air, para terror de las masas y divertido sketch sobre una cita frustrada en mitad de la niebla. Leer más »

Las iras, indignaciones y desprecios, o como se prefiera apelar a la rabieta, que el título arriba indicado podría provocar en las filas eclesiásticas palidecen ante la tajante condena del Vaticano a todo lo que lleve impreso el nombre de Dan Brown, Robert Langdon o, en los últimos tiempos, Tom Hanks. La inercia de la primera piedra lanzada contra un motivo proscrito del debate público no provoca que la irreverencia siga a la polémica, sino más bien a resultas de bailar las aguas removidas por un Hollywood que necesita poner guapos hasta a sus sacerdotes, y por un escritor que describió Sevilla como un reducto infeccioso perfecto para un apocalipsis de Cuarón o Meirelles. «Tenía un rostro sorprendentemente atractivo», describe Brown al camarlengo Carlo Ventresca —rebautizado por el más escocés Patrick McKenna—  en “Ángeles y demonios”, la novela-precuela de “El código Da Vinci” (2006) que a través de la adaptación cinematográfica de Ron Howard se transforma en secuela narrativa y, confían, también en repetición sísmica de nuevos réditos. Mientras Ewan McGregor hace honor a la escueta línea de Brown, no está de más indagar en qué referentes estaba pensando el escritor cuando recaló en que el hábito no tiene por qué hacer al monje menos atractivo.

El abad Coulmier, interpretado por Joaquin Phoenix en “Quills” (Philip Kaufman, 2000). Acostumbrado a pasearse con ojos llororos, antes de que los ocultara tras las gafas de sol y la espesa barba de Santa Claus —¿será Phoenix otra ilusión navideña de intenciones comerciales estratégicas, será su metamorfosis cierta y tendremos que volver a creer en papás noeles?—, el actor infundaba lástima y desgarro a sus personajes, como si el labio partido fuese obra de un bestia con el que se hubiese cruzado pocos minutos antes. No fue para menos en este biopic parcial —en todos los sentidos— del Marqués de Sade (Geoffrey Rush), donde éste y el ternísimo abad de Joaquin Phoenix se disputaban con palabras soeces y silencios el afecto de una lavandera, en manos y carnes de una Kate Winslet inclinada, como su colega, hacia los protagonistas atormentados. Dos amores prohibidos, por un hombre religioso y por una literatura erótica salvaje, desdoblan la función de un Sade que tuvo mejor traductor en Luis Buñuel que en Kaufman y su escatología pedestre. Leer más »

Es la nueva estrategia de las productoras para celebrar preestrenos con alfombras rojas y el motivo de que el gremio de dobladores profesionales se esté rasgando las vestiduras. “Monstruos contra alienígenas” (Rob Letterman y Conrad Vernon, 2009) ha sido la última en abducir a Reese Witherspoon, Hugh Laurie, Seth Rogen, Paul Rudd y Kiefer Sutherland. Pocas películas de animación tendrán un póster promocional sin nombres de celebrities impresos a gran escala, prácticamente eclipsando el contenido cinematográfico y los personajes que protagonizan la acción, a menos que el milagro digital les haya dotado de los mismos rasgos faciales que quienes les prestan voz. Mientras que ahora muchos de los dibus carecerían de significado popular sin su referente de carne y hueso, antaño algunos intérpretes debían esconderse en la animación bidimensional para rascar algún sueldo extra. Un fenómeno que Hollywood ha exportado en un abrir y cerrar de ojos al famoseo de cualquier país, con todas las ventajas y desventajas de la globalización: no todas las estrellas pueden garantizar un nivel de calidad óptimo con sus aptitudes de doblaje.

La precisión de los actores estadounidenses al abordar estas tareas ha sido demostrada con creces desde el nacimiento de la moda, durante el regreso a principios de los noventa de las citas anuales con Disney. La explicación no deja en ridículo las cuerdas vocales de otras nacionalidades, sino que parte de una premisa básica: las producciones se amoldan desde su gestación a las necesidades del país de origen, de tal modo que un trabajo intenso y paciente con los actores desde el proceso de bocetado de los personajes asegura una correspondencia fluida entre dibujos animados e intérpretes reales. Los grandes estudios piensan con toda lógica en su mercado principal, el patrio, dejando en manos de la providencia y de unos distribuidores con más o menos ganas de llenar el bolsillo o respetar el producto lo que se haga fuera de las fronteras. Y esa aparente despreocupación parece deberse a un aprendizaje de campo antes que a una verdadera actitud negativa: nefasto fue el exceso de control que Kubrick impuso sobre los doblajes internacionales de “El resplandor” (1980) —Verónica Forqué gritando aquello de «¡Jack, Jack!»— o, de regreso al ámbito animado, las versiones que Phil Collins hizo de las canciones de “Tarzán” (Chris Buck y Kevin Lima, 1999) en castellano, francés, alemán e italiano, guiándose únicamente por imitación fonética. Leer más »

 «¿Quién de nosotros es el responsable?»

Nombre completo: Jon Osterman.

Alias: Doctor Manhattan, nombrado así por el Proyecto Manhattan del que forma parte.

Álter ego: Billy Crudup, aunque el noventa por ciento de la película sólo veamos su doble digital y oigamos su voz. El nombre más conocido del reparto de “Watchmen”, junto con Patrick Wilson (Búho Nocturno), recordado por su debut en “Sleepers” (Barry Levinson, 1996), su protagonista de “Casi famosos” (Cameron Crowe, 2000) y por ser el escéptico hijo de Ewan McGregor/Albert Finney en “Big Fish” (Tim Burton, 2003). También lo hemos visto en papeles secundarios de “Todos dicen I love you” (Woody Allen, 1996), “Hi-Lo country” (Stephen Frears, 1998), “Misión: Imposible III” (J.J. Abrams, 2006) y “El buen pastor” (Robert De Niro, 2006), y tiene pendiente de estreno “Public enemies” (2009), lo nuevo y esperadísimo de Michael Mann. Leer más »

Adrien Brody puede presumir de haber trabajado para algunos de los directores más importantes en activo: Spike Lee, Peter Jackson, Dario Argento o Francis Ford Coppola son sólo algunos de ellos. Este neoyorquino últimamente más conocido por sus amoríos con cierta actriz española que por una carrera que no se encuentra en su mejor momento, vuelve a las pantallas con una propuesta que no parece ni mucho menos un intento de recuperar las taquillas de algunos de sus éxitos más sonados (“King Kong”). Más bien, “Cadillac Records” parece una apuesta por incorporar a un personaje emblemático como el de Leonard Chess, mítico productor de la discográfica que elevara a estrellas como Muddy Waters, Chuck Berry o Little Walter.

Adrien Brody inició su escalada al estrellato bajo las órdenes de Francis Ford Coppola. Fue en “Historias de Nueva York” (1989), en la que Brody desempeñaba el papel de Mel en uno de los tres segmentos. A este debut le siguió “El niño que gritó puta” (1991), de Juan José Campanella y “El rey de la colina” (1993), tercera incursión en cine del actor y también de Steven Soderbergh, que pasaba por ser uno de los cineastas más prometedores tras haber ganado la Palma de Oro con su “Sexo, mentiras y cintas de video”. Luego se dejó ver en “Un ángel en mi equipo” (1994), producción familiar del sello Disney en que compartía pantalla con Christopher Lloyd y Danny Glover. Su rostro empezaba, pues, a sonar y a gozar de papeles protagonistas, que llegaron con títulos como “Los fugitivos” (1994), a manos de un William Friedkin en horas bajas. Brody demostraba su eficacia saltando de género en género y atreviéndose con una cinta de acción como “Solo, el destructor” (1996) o una comedia como “Six ways to sunday” (1997). No obstante, el primer título determinante de su carrera vendría en 1998. Tras dos décadas de inactividad, el maestro Terrence Malick volvía a dirigir y el acontecimiento no pasó desapercibido para Hollywood. Muchas de sus estrellas lucharon por hacerse un papel, por pequeño que fuera, entre el afortunado reparto de “La delgada línea roja”, y Adrien Brody sería uno de esos afortunados cuyos nombres se verían reafirmados con la acogida crítica de la película. Leer más »