Reportajes de cine

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“El mariachi” (1992) contó con un presupuesto de siete mil dólares, pero estaba rodada con tal lucidez creativa que la industria norteamericana no pudo sino rendirse a la propuesta de un joven cineasta llamado Robert Rodriguez, que parecía llegar dispuesto a comerse el mundo sin pedir demasiado a cambio. Tres años después rodó una suerte de remake/secuela/reinterpretación de aquella, “Desperado” (1995), con un ascendente Antonio Banderas en el papel de Él, misterioso asesino cantante; por aquel entonces, el cineasta ya se había hermanado artísticamente con el rebelde de oro, Quentin Tarantino, junto al que establecería una sociedad fructífera y psicodélica a partes iguales. Y en 2003 llegaría el cierre de la trilogía, “El mexicano”, descerebrada epopeya de reparto espectacular en la que el charro rendiría homenaje a Mickey Rourke regalándole el papel de Billy, brazo derecho de un peligrosísimo y desquiciado narco con los rasgos del siempre esplendoroso Willem Dafoe. Un rol secundario mas valioso, en el que podía lucir su amor por los chihuahuas y que supondría un nuevo ejemplo de la capacidad del tándem Rodriguez/Tarantino para sublimar estrellas de capa caída, tras la estela de John Travolta o David Carradine.

El futuro volvía a lucir cielos claros para este batallador nato, que estaba recuperando el ritmo a marchas forzadas aunque seguía relegado a un segundo plano. En “El fuego de la venganza” (2004), Tony Scott contó con él para una de sus adrenalíticas y viscerales propuestas, una exitosa producción que serviría de escaparate ideal para que el gran público volviese a incluir su rostro en el star system de Hollywood, aceptando su retorno taras incluidas. Y es que el carisma permanece más allá del aspecto físico ─es indudable que lucía más que desmejorado─ y polémicas varias, beneficiado en este caso por verse arropado por un ritmo endiablado y unos compañeros de reparto en estado de gracia, en un cartel que incluía a Denzel Washington, Christopher Walken, Dakota Fanning, Radha Mitchell o incluso el mismísimo Marc Anthony. Así las cosas, incluso la industria del videojuego requirió sus servicios por primera vez, solicitando su registro vocal para “Driv3r” (2004), desangelada nueva entrega de una saga legendaria que, con el paso de los años, no ha podido sino marcar un declive progresivo en la evolución de cada nuevo capítulo.
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A punto de llegar a la década de los 90, Mickey Rourke necesitaba apuntarse un tanto, y se equivocó de pleno, las cosas como son. Tratar de recuperar el tono tórrido de “Nueve semanas y media” no fue la mejor opción, y recurrir al guionista de aquélla, Zalman King, para que se encargara de dirigir el asunto, mucho menos. “Orquídea salvaje” (1989), las andanzas erótico-bobaliconas de John Wheeler (Rourke) y Emily Reed (Carré Otis), carece del más mínimo atractivo, más allá de lo apetecible que pueda parecer al espectador ver al elenco hacer el ridículo durante la práctica totalidad del metraje. Jacqueline Bisset y nuestra Assumpta Serna acompañan a un dúo central ─nominado a sendos Razzies por su labor─ que mantuvo un romance en la vida real hasta 1994, cuando él fue detenido acusado de malos tratos; de ella, cuya carrera debía catapultarse hasta el infinito con este tórrido debut, poco más se supo. Así las cosas, nuestro muchacho se aferró a un clavo ardiendo: Michael Cimino, prácticamente olvidado por la industria y que llevaba alejado de las cámaras desde 1987, cuando se encargó de adaptar sin demasiado tino “El siciliano”, sobre la novela de Mario Puzo. “37 horas desesperadas”, revisitación desangelada del clásico de William Wyler de 1955, presentaba a un fugitivo que buscaba refugio en casa de una familia adinerada a la espera de la llegada de su cómplice (Kelly Lynch) para poder escapar de la justicia. Aburrida, insoportable a ratos incluso, tristemente dirigida a pesar de contar con nombres como los de Anthony Hopkins, Lindsay Crouse, Elias Koteas, David Morse o Mimi Rogers, defenestró definitivamente al cineasta ─no volvería hasta “Sunchaser” (1996), regular propuesta que le valdría una nueva opción a hacerse con la Palma de Oro─ e inició el descenso al submundo trash de Mickey Rourke, una travesía que duraría la friolera de casi tres lustros.

Era su sueño desde pequeño, así que nadie puede negarle la valentía de tratar de cumplirlo. Pero durante los cuatro años (entre 1991 y 1995) en los que “El Marielito” ─nombre pugilístico de Rourke─ surcó los mares de lona, lo único que recibió fue paliza tras paliza (ganó todos los combates, eso sí), una somanta de la que pudimos ver una muestra en una tristemente memorable velada que ofreció en nuestro país la pantalla amiga. En parte pretendía purgar su espíritu, excesivamente rebelde, a base de palos. Pero fue un tremendo desliz, grabado a fuego en un rostro que debió pasar por quirófano en cuatro ocasiones para reconstruirle el cartílago nasal y reducirle una fractura de pómulo. Se acabó la que fuera una de las caras bonitas del cine internacional. Convertido ya en un auténtico tarugo ultramusculado, se apuntó un pequeño tanto comercial con “Dos duros sobre ruedas”, producción pensada, según confesó Simon Wincer, específicamente para él y Don Johnson. En ella era Harley Davidson, un machote tosco y rudo que junto a su colega Marlboro Man (Johnson) hacía frente a unos matones que trataban de expropiar el terreno en el que estaba situado su bar favorito; según ha confesado Rourke, aceptó la propuesta simplemente por motivos económicos, porque sus apuros comenzaban a ser realmente alarmantes. Y es que la década de los 90 se asemeja mucho ─demasiado─ a la situación que refleja Randy Robinson en la cinta de Darren Aronofsky que le ha sacado definitivamente del pozo en el que ha vivido sumergido durante tanto tiempo.
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En gran estado de gracia comercial, caería en manos de Mickey Rourke el guión de uno de los títulos más recordados del cine de los últimos tiempos, que convirtió inmediatamente a Kim Basinger en icono erótico universal gracias a sus contoneos al son de la rasgada voz de Joe Cocker: “Nueve semanas y media” (1986), en la que el especialista en falsos calentones Adrian Lyne ─”Atracción fatal”, “Una proposición indecente”, “Infiel”─ contaba las carnales experiencias sexuales de dos yuppies de clase media de la Gran Manzana… y poco más. Éxito incontestable y abrumador, a ritmo de videoclip aterrizó con acierto en las carteleras en el momento adecuado, en el que la generación a la que iba dirigida la película convivía con el sexo como algo sano y natural, a pesar de que la relación narrada en el libro de Elizabeth McNeill lindaba con el sadomasoquismo y lo bizarro en más de una ocasión. Décadas después, Basinger (que se refirió en su día a su compañero de reparto como «el cenicero humano») aseguraba que en cierto modo se sentía frustrada porque a partir de este momento en su carrera se le había considerado más un objeto de deseo que una actriz propiamente dicha, aunque es indudable el apabullante empujón que supuso para ella el juguetear con un par de hielos…

Estaba lanzado hacia el éxito de manera imparable. Pero era polémico como pocos, rechazando proyectos, armando broncas con productores, repudiando el sistema. Con todo, convertido ya definitivamente en uno de los actores más relevantes del momento continuó acumulando nombres de interesantes directores en su filmografía en 1987, año en el que se puso a las órdenes de Alan Parker en “El corazón del ángel”, escalofriante thriller fantástico tan valiente en su propuesta y puesta en escena como fallido en sus pretensiones de cara a la taquilla. La estupenda adaptación de la novela de William Hjortsberg ─autor de la también recordada “Legend” ─ queda en el recuerdo como un film de culto absoluto por su retrato del descenso a los infiernos del detective Harry Angel (Rourke), contratado por el misterioso Louis Cyphre (Robert De Niro) para localizar a un cantante de los años 30 desaparecido misteriosamente; brutal, extenuante y soberbiamente planificada, nunca debió pretender abarcar a un público masivo ─el estudio mandaba─ que le dio la espalda al no entender lo excesivo de un film no para todos los gustos. Vudú, santería, Nueva Orleans, blues, asesinatos rituales, secundarios inolvidables y un final sorpresa de los que hacen época ─precedida de una escena francamente horrible protagonizada por De Niro─, todo ello adornado con unas cuantas escenas sexuales que, entre otras cosas, le costaron a Lisa Bonet la expulsión inmediata del show televisivo de Bill Cosby, en el que daba vida a su hija. Uno de los mejores ejemplos de la filmografía de nuestro muchacho, que lamentablemente está en proceso de ser objeto de un (otro) innecesario remake. Leer más »

La historia de Hollywood está repleta de historias trágicas y sueños rotos. La abrumadora popularidad que proporciona la fábrica de los sueños no siempre es bien encajada por ese puñado de elegidos a los que otorga fama, gloria y dinero, mucho dinero; así, la tendencia al exceso, el abuso del alcohol y las drogas, la repentina notoriedad que se otorga a actores que aún son tan sólo unos niños o, simple y llanamente, la excentricidad que tantas veces empapa ─y empaña─ la vida pública del star system han dado al traste con las carreras y las vidas de demasiados nombres por todos conocidos. Pero si muchos caen, de vez en cuando alguno se levanta, y de qué manera. Y parece que “El luchador (The wrestler)”, afortunadamente, nos va a devolver a uno de los grandes nombres de las últimas décadas…

La pequeña localidad neoyorquina de Schenectady vio nacer a Philip Andre Rourke Jr. el 16 de septiembre de 1952 en el seno de una familia católico irlandesa. Tras el divorcio de sus padres, siendo aún muy pequeño se traslada con su madre a Miami, donde desarrolla una gran afición por dos deportes que han marcado su vida: el béisbol, de donde obtendrá el nombre de Mickey, en homenaje a Mickey Mantle, y el boxeo, al que tratará de dedicarse profesionalmente a principios de los noventa y al que debe en buena medida los estragos de su rostro. Tras alternar las clases de arte dramático en el Actors Studio con una pequeña carrera amateur en los cuadriláteros, recibió su primera oportunidad en pantalla grande de la mano de Steven Spielberg en “1941” (1979), producción menor del realizador pero que contaba con un espectacular equipo delante y detrás de las cámaras, una toma de contacto fabulosa para un joven debutante que no tardaría demasiado en comenzar a demostrar un tremendo e hipnótico talento, acompañado de un atractivo físico que le convertiría en uno de los más recordados sex symbols ochenteros. Leer más »

En 1963, Herschell Gordon Lewis entra en la Historia del cine creando un género que a día de hoy se mantiene en un estupendo estado de forma: el gore, colorida profusión de miembros y mondongo variado que ve la luz gracias a la obligadamente seminal “Blood feast”. Tres lustros después, John Carpenter aterra a medio mundo con “La noche de Halloween”, disparando la adrenalina del público teen gracias a la imponente figura de Michael Myers, obsesionado con mandar al otro barrio a su sobrina, la pobre Laurie Strode (idolatrada Jamie Lee Curtis); fundiendo ambos títulos, en 1980 el astuto Sean S. Cunningham lanza un puñetazo a la industria y se saca de la manga la que a la postre se ha convertido en una de las sagas más longevas del séptimo arte (con permiso de los trekkies). “Viernes 13″ unió la visceralidad de Lewis y la figura del killer on the loose de la propuesta de Carpenter ─si bien es cierto que en Italia, por ejemplo, misteriosos asesinos llevaban más de diez años aniquilando jovencitas desde el giallo cinematográfico, nacido de la mano de Mario Bava─, abriendo una veda en la que cualquier mozalbete podía, y aún puede, ser ajusticiado de las maneras más pintorescas y sanguinolentas que podamos imaginar. Ahora, casi tres décadas después, Michael Bay, resucitador de pilares del género, recupera la máscara de hockey para las nuevas generaciones. Veamos cómo uno de nuestros exterminadores favoritos ha llegado hasta aquí.

El campamento Crystal Lake cerró sus puertas hace más de veinte años debido a un terrible suceso: el pequeño Jason Vorhees (Ari Lehman) murió ahogado en el lago por la despreocupación de sus monitores, centrados más en satisfacer sus placeres carnales que en velar por el bienestar del muchacho. Pero en opinión de Steve Christy (Peter Brouwer) eso es, nunca mejor dicho, agua pasada; así, reabre las instalaciones despertando la furia de un misterioso psicópata que se dedicará a liquidar sin remisión a todos los integrantes del equipo del empresario que tengan la desgracia de cruzarse con él en el bosque. Nueve, concretamente. Echando la vista atrás, la sola mención de “Viernes 13″ trae a la memoria del espectador, más allá de la ya legendaria máscara de hockey del inmortal Vorhees, los ecos creados por Harry Manfredini para la banda sonora, aquel susurrante “ki ki ki ma ma ma” ─obtenidos a partir de las palabras “kill” y “mom”, que resuenan en la mente de Pamela Vorhees (Betsy Palmer), la verdadera homicida en esta primera entrega, decapitada al final con un gigantesco machete─. Y es que estamos ante un título clave en el fantástico moderno, más que por sus méritos artísticos ─que los tiene, desde una narración velocísima y amena a los impactantes efectos especiales del mago Tom Savini, pasando por un hábil uso de los mecanismos clásicos del terror para provocar el sobresalto en el palco, o esa acertada y tenebrosa cámara subjetiva─, por todo lo que supuso para el género posterior. Leer más »